Comentando Cinema

Zombieland - Uma divertida sátira ao mundo dos zumbis!

2009-11-07T18:12:00.005-02:00

George A. Romero é conhecido como o "pai" dos zombie-movies... o cineasta praticamente levou às telas os mais significativos e inesquecíveis filmes com os mortos-vivos e criou, desde então, um sub-gênero admirado por uma legião de fãs e imitado por muitos novos cineastas.

No entanto, mesmo que os filmes de Romero já possuíssem críticas sociais e muito humor negro IMBUTIDO nas cenas aterrorizantes e sanguinolentas de seus comedores de cérebro, foi só no início dos anos 2000 que alguns filmes começaram a querer transformar esse mote em comédia, de fato. Zumbilândia é a prova disso... que mesmo não descartando o sangue, as tripas e os mortos perambulando sedentos pelas ruas, consegue ter um humor completamente extravagante e bem trabalhado, com ótimas sacadas, diálogos super inspirados e atuações que favorecem ainda mais o tom "pastelão" e "anárquico" dessa divertida comédia com zumbis.

O novato e jovem diretor Ruben Fleisher, junto dos competentes roteiristas Rhett Reese e Paul Wernick, fazem um filme que na verdade é uma grande mistura de comédia, terror, aventura, romance e road-movie tudo num só mesmo pacote e, por mais inusitado que isso seja, conseguem extrair uma qualidade de todos os elementos de forma muito bem integrada.

Há tiradas do roteiro simplesmente geniais como as - inúmeras! - regras contra os zumbis (a do banheiro é completamente hilária!!!) e que não deixam de ser também totalmente coerentes, rs. As cenas são muito bem dirigidas por Fleischer, que sabe misturar perfeitamente a tensão provocada pela situação incômoda e emergencial quando os protagonistas encaram os mortos-vivos com o humor escrachado de pequenos momentos inusitados que vão acontecendo no decorrer da trama! Algumas tomadas do diretor são muito bem trabalhadas e o início do filme é simplesmente espetacular, visualmente falando!

Mas Zombieland não teria ainda tanta graça se não fosse pelo elenco principal, composto por apenas 4 atores: Jesse Heisenberg, Emma Stone, Abigail Bresslin e Woody Harrelson... esse último, talvez, num dos papéis mais divertidos de sua filmografia! (e é muito bom constatar que um ator carismático e talentoso como Harrelson, está sendo bem mais aproveitado pelo Cinema, já que ficou tanto tempo subvalorizado por essa indústria). Columbus (Jesse Heisemberg) é quase o protagonista da história, já que é ele quem narra o filme inteiro em off, mas é impossível ficar indiferente às trambiqueiras irmãs feitas por Emma Stone e Abigail Bresslin, mas ao meu ver, quem quase "rouba" a cena é mesmo o simpático atirador viciado em bolinhos Talahasse feito por Woody Harrelson...! Inclusive, uma sequência toda em câmera lenta dentro de uma loja de artigos para se fazer valer a regra "Aproveite as pequenas coisas da vida", de Talahasse, é uma das mais legais do filme!!!

Despretencioso, super divertido, com algumas idéias muito bem sacadas, e completamente simpático, a comédia de "terror" Zombieland torna-se ao meu ver, uma das pequenas - porém, ÓTIMAS surpresas! - desse ano.

Se Ruben Fleisher manter essa qualidade na direção e na narrativa, tem tudo para ser mais um diretor de criatividade exemplar!

Ps: Há ainda uma hilária participação de Bill Murray e mais uma homenagem aos que gostam de "Os Caça-Fantasmas".

NOVIDADES NO AMOR - Uma grande novidade num roteiro!!!

2009-10-20T00:20:00.006-02:00

Com um elenco que, à primeira vista, não me chamava muita atenção (mesmo que eu ainda ache Catherine Zeta-Jones simpática, ela não me "arrasta" pra esses tipos de filmes), admito que foi a simples, porém real sinopse do filme, que me induziu a algum interesse. Pois não falamos de casais belos e na flor da idade que cometem desencontros malucos e apostas amorosas. Novidades no Amor tem algo a mais... ele não é simplesmente uma comédia romântica fantasiosa. Sim, há seus exageros e clichês como todo romance que aposta na comédia possui, mas o filme se aproxima muito mais da realidade quando investe - principalmente na meia hora final! - nos grandes questionamentos de um relacionamento entre uma mulher mais madura e um homem mais jovem.

Catherine Zeta Jones é Sandy, uma mulher recém separada, se divorciando, que tem que tomar conta de seus dois filhos pequenos (um casal de crianças pentelhas, diga-se de passagem!), que tem uma amiga doidivana que a "empurra" para encontros meio desastrosos e que repentinamente, se vê gostando de Aram Finklestein, o babá de seus filhos. Não, você não "leu errado", Aram é mesmo um babá, afinal, o rapaz que trabalha numa pequena cafeteria com um amigo bobalhão, e que ainda mora com os pais, aceitou tomar conta dos filhos pequenos de Sandy, depois que esta o "surrou" numa aula de liberação de raiva feminina.

Catherine é uma atriz competente e mostra uma personagem ao mesmo tempo charmosa e atrapalhada, numa atuação correta e na medida. Mas é justamente o ator Justin Bartha que, ao meu ver, compõe uma atuação digna de elogios, pois ele confere um ar de ingenuidade e bondade ao seu personagem, que mesmo quando o vemos dando um fora em alguém, ou proferindo algumas palavras mais duras para quem merece, não conseguimos "enxergá-lo" como um cara rebelde ou fanfarrão. Aram Finklestein, feito sensivelmente por Bartha, é o tipo de homem que, mesmo com pouca idade, e sem tanta independência financeira, mostra uma maturidade de sentimentos que muitos homens mais velhos jamais vão ter. E é muito doloroso perceber que o relacionamento do casal não é "abalado" por esse detalhe dele ser mais jovem. Aliás, isso TAMBÉM implica, mas é algo implícito em Sandy... pois o que realmente vem à tona numa discussão reveladora dela, é o fato dele não ter a estabilidade financeira e essa independência que ela, Sandy, desejava tanto num homem.

Mas que droga: se eles estavam tão felizes, se ELA principalmente, estava tão feliz com ele, porquê jogar tudo pro alto? Por quê arruinar isso tudo? Por quê não mostrar e provar para um homem que é honestamente amoroso e romântico, que é justamente o amor e o romantismo dele que são as coisas mais importantes para ela? Mas aí é que o filme torna-se VERDADEIRO e CORAJOSO ao mostrar que esses sentimentos, num homem sem dinheiro, não são importantes! A mulher pode de fato achar o amor, o carinho e o romance de um cara, muito bonito e perfeito... mas sabe que na REALIDADE, é o dinheiro e a estabilidade financeira que ditará as regras. E é pela culpa desse materialismo, embutido em muitas mulheres (mesmo que muitas não percebam!), que a felicidade de um casal é completamente arruinado.

Novidades no Amor não esconde isso. Muito pelo contrário: o filme realça e deixa claro que, mesmo que a personagem principal do filme tenha dito pra amiga que o homem que ela estava amando, era perfeito, carinhoso, amoroso, romântico e que mesmo sendo muito mais jovem que ela, ele ainda era mais maduro que todos os homens mais velhos que ela conheceu, isso não foi o suficiente para que ela deixasse de se incomodar com a diferença de idade entre eles, onde ele morava, o hábito de leitura dele, e a falta - temporária! - de independência monetária do rapaz. E esse rapaz, a amava de verdade e era um homem perfeito SIM. No fim, não era a diferença de idade que atrapalhou aquela relação... mas sim, a falta de DINHEIRO dele!

O mais curioso para mim, no entanto, é justamente saber que essa moral do filme tão cruelmente realista e triste, é exatamente o ponto mais forte e adulto do roteiro, e que faz com que Novidades no Amor, sem sombra alguma de dúvida, se diferencie com muito brilhantismo e emoção de muitas Comédias Românticas por aí. Porque afinal, ele é um filme completamente SINCERO em sua mensagem final.

Ps: Talvez, muitos homens não se abrem ou não são tão românticos, justamente por saberem que uma mulher o vai "avaliar" pelas suas posses e condição financeira. O que não deixa de ser algo contraditório vindo de alguém que levanta tanto a bandeira do romantismo e do amor: as mulheres!

Nota: 8,5

CAOS - Uma interessante trama policial

2009-02-23T22:22:00.013-03:00

Poucos são os filmes policiais que saem diretamente para o DVD que possuem uma trama realmente engenhosa. Claro que há vários enredos que nos chamam atenção à primeira vista, mas que aos poucos, durante o desenvolvimento da história, começam a tornar-se enfadonhos, repetitivos e tendem a se "perder" nas próprias reviravoltas e surpresas jogadas pelo roteiro. Ainda mais quando o filme policial possui vários elementos para ser uma ação escapista do que um suspense investigativo, como é aparentemente o caso de Caos ("Chaos", de 2005) que nos exibe logo de cara, dois atores ícones do cinema de ação contemporâneo, que é Wesley Snipes e Jason Stathan. Mas não se enganem, pois apesar de terem esses dois marcantes atores do gênero, o filme consegue mesclar muito bem a ação adrenalínica com uma história que prioriza todos os pontos narrativos de maneira inteligente.

Apresentando logo de início, uma introdução que parece "apenas" mostrar o resultado de uma ação que definiu o destino do personagem principal (Stathan, muito bem no papel), o filme ganha pontos rapidamente quando já "revela" que esse tal acontecimento ainda poderá explicar muitas coisas no futuro dos personagens. Concebendo a partir daí, uma trama bem amarrada com cenas pseudo-explicativas e que ainda terão mais significados à frente, Caos consegue a proeza de nos enganar com pequenos detalhes inseridos numa ação ou num diálogo, que facilmente nos pode passar despercebidos. Os poucos personagens apresentados a nós, não são jogados ao acaso e a história se firma cada vez mais, quando percebemos que a investigação inicial, é na verdade uma intriga maior e mais nebulosa que envolve o passado do mocinho e do bandido ao mesmo tempo (não se preocupem, não estou revelando nada). No meio disso tudo, um jovem policial precisará resolver toda a problemática dessa emaranhada investigação, e é aí que o filme mostra sua força!

Interpretando dessa vez o vilão, Wesley Snipes não muda muito o seu estilo interpretativo; exibindo aquele olhar sempre enérgico de ator de ação, com o seu ar "debochado" (dessa vez, mais acentuado) e aquela ginga de lutador, o ator oferece uma boa performance - mesmo que rápida. É eficiente em pelo menos nos mostrar que ele não é meramente um assaltante de Bancos, mas pode ser talvez, um homem que quer colocar um plano maior em evidência. E outro ator de ação que se sai ainda melhor que Snipes (até porque é realmente o nome principal do filme!) é o carequinha Jason Stathan, mostrando nessa produção que não é só um artista marcial, mas é também um cara que sabe realmente atuar! É dele as frases mais curiosas e as tiradas mais engraçadas. Fazendo um policial durão, mau humorado e sacana (algo que Bruce Willis também adoraria fazer, e que já domina há um bom tempo!), Stathan também aproveita pra exibir um lado mais humano, engraçado e divertido com seu personagem, chegando a dar um sorriso sincero onde pouquíssimas vezes o vimos fazer em cena - que o diga seus exagerados heróis sizudos em Carga Explosiva e Adrenalina. No elenco também está o veterano Henry Czerny, mas ele tem apenas pequenas aparições e só serve mais para enfeitar o desenvolvimento do personagem de Stathan.

E no meio a esses astros de certo renome, está o jovem Ryan Phillipe (de Segundas Intenções, seu filme mais marcante), mostrando sua semi-inexpressividade como ator e provando o porquê não é chamado para muitas produções até hoje. O irônico é que para um filme tão acima da média, comandado de forma tão segura e criativa pelo diretor e roteirista Tony Giglio e que consegue extrair boas interpretações de Snipes e Stathan, o insosso Ryan Phillipe seja quase que o personagem condutor de toda a história. Esse foi apenas o meu único incômodo durante toda a projeção: reconhecer que o papel de Phillipe, era mesmo aquele que interligaria toda a narrativa e se mostraria o segundo personagem principal, depois do competente Jason Stathan.

Ainda bem que, mesmo não gostando da atuação de Ryan Phillipe, devo admitir que o filme se sobressai pela inventiva e bem entrelaçada trama policial, fazendo com que Phillipe não comprometa gravemente a produção... embora, Jake Gyllenhaal, Casey Affleck ou qualquer outro jovem ator vigorosamente esforçado, teria feito um trabalho visivelmente melhor!

Mas Caos é mesmo bom e merece ser visto sem qualquer receio.

NOTA 7,5

PS: Jason Stathan tem tudo para começar a escolher significativos trabalhos no cinema e deixar um pouco de lado, essa "fama" de herói de ação desenfreada, pois o ator mostrou ter certo talento e muito carisma!

CORALINE E O MUNDO SECRETO - Uma fábula animada nada infantil

2009-02-18T19:19:00.008-03:00

Atualmente os desenhos animados avançaram por um campo muito rico que é o da tecnologia da animação. Praticamente, vemos produções da Pixar, da Dreamworks e da Disney arrebatarem prêmios por suas mirabolantes e perfeitas técnicas visuais. A narrativa também é outra área muito bem explorada hoje em dia, com roteiros minuciosamente bem trabalhados, e diálogos e situações que nos remete à filmes cinematográficos. Apenas um único elemento essas grandes empresas de animação possuem em comum: o seu público alvo. Embora, alguns desenhos trate de temas mais avançados e elaborados que jovens e adultos se apegam, o tom e o clima de humor infantil continua lá... irretocável com a presença de seres engraçadinhos, bichinhos tresloucados e personagens cômicos. Todos, em sua maioria, voltados exclusivamente para as crianças! Mas é difícil - e até RARO - uma produção animada numa técnica bem mais pueril que é a do stop motion com massinhas, conseguir ser completamente envolvente de maneira séria e adulta. E Coraline e O Mundo Secreto ("Coraline", 2009) é exatamente assim!

De Henry Sellick, o mesmo diretor do inovador O Estranho Mundo de Jack e do carismático James e o Pêssego Gigante, e à partir dos contos de Neil Gaiman, autor de famosas Histórias em Quadrinhos e Livros, Coraline e O Mundo Secreto possui as mesmas características visuais de seus antecessores (personagens esticados, visual alegórico e tom sombrio) numa história totalmente reflexiva e, até em alguns pontos, assustadora! Utilizando a charmosa técnica da animação quadro a quadro com massas de modelar e cenários feitos em maquetes, Coraline já quebra qualquer convenção dos desenhos animados em agradar criancinhas logo em suas cenas iniciais, quando exibe em sua abertura, uma mão medonha de ferro costurando os olhos e as bocas de bonequinhos de pano, de uma maneira bem agressiva e impactante. Quero dizer, para alguns... já que muitos jovens e adultos devem achar a sequência inicial até comum. O curioso é começarmos a compreender - aos poucos! - a história sombria, melancólica e falsamente feliz de Coraline. Assim que se muda com seus pais para um local aparentemente calmo, mas que sempre chove muito, a menina (que aparenta uns 9 ou 10 anos, mas que o roteiro nunca revela) conhece logo o inquieto Wybie, um garoto meio nerd que adora andar de bicicleta com suas estranhas máscaras artesanais. Aparentando também ter a mesma idade da pequena e espivitada Coraline Jones, o garoto a entrega uma bonequinha de pano com olhos de botões que chama a atenção da menina, mas que será apenas um pequeno elemento de uma trama muito mais elaborada e espantosa. E o "espantosa" aqui, não é só um termo de surpresa, mas sim de espanto mesmo, de terror, já que quando conhecemos a real história dos "outros pais" de Coraline e da realidade do tal "Mundo Secreto" do título, começamos a perceber que a vida da protagonista e de seus verdadeiros pais, podem estar correndo perigo, assim como a vida do vizinho acrobata e das vizinhas ex-vedetes.

Muito bem escrito, com passagens até filosóficas narrativa e visualmente, Henry Sellick demonstra um total domínio em sua direção, conseguindo nos fazer refletir em um simples sorriso forçado de determinado personagem, como num bem construído diálogo entre Coraline e sua "outra mãe". Reparem, por exemplo, no visual aterrorizante quando esta se revela para a menina num momento crucial do enredo, ou então no inusitado cortador de grama do "outro pai" que, se num momento da história se apresenta como uma ferramenta divertida e engraçada, em outro, se mostra como uma assustadora e mortífera máquina destruidora. Aliás, são nessas pequenas sutilezas e nos ricos detalhes escondidos em cada canto de Coraline, que Henry Sellick consegue montar com muito brilhantismo uma produção de encher os olhos... e a mente! E acredito com toda a certeza que muitas crianças podem não entender o ritmo da história e muito menos se adaptar ao estranho e sombrio mundo apresentado pelo diretor, mas arrisco em dizer que jovens mais maduros e adultos já habituados às produções mais fechadas de animação, vão adorar! Com uma leve inspiração em Alice no País das Maravilhas, Coraline, magistralmente, joga todo aquele conceito de um mundo fantástico descoberto pelos olhos de uma criança num caldeirão maquiavélico e subliminarmente reflexivo.

E é de se admirar que a técnica do stop motion de massinhas, que é uma habilidade já consagrada pelo clássico Wallace e Gromit, e que sempre serviu para nos contar histórias animadas com diversão e leveza, seja aqui utilizada para nos revelar uma rica trama de falsidade, domínio emocional e superação pessoal.

PS: Infantil mesmo, só o rostinho dos bonecos.

NOTA 8.5

O MENINO DO PIJAMA LISTRADO – Uma pancada na alma!

2009-01-26T15:37:00.013-02:00

Antes de iniciar essa crítica, gostaria de dizer que sou fascinado por dramas de guerra. Não dramalhões, mas aqueles que são feitos com sensibilidade à ponto de nos fazer questionar profundamente sobre o conceito da Guerra, à respeito da imbecilidade dos conflitos entre povos e sobre a importância da humanidade e do afeto onde ela nem existe mais. O Menino do Pijama Listrado ("The Boy in the Striped Pyjamas", 2008) não só consolida todos esses elementos de maneira direta e magistral, como se torna ao meu ver, uma das obras mais importantes a se discutir dentro desse gênero.

Elsa, a esposa de um soldado Nazista, aceita se mudar com ele para as proximidades de um campo de concentração depois que seu marido é promovido a Comandante. Digna e dedicada, Elsa leva com ela seus dois filhos: a menina Greitel e o curioso Bruno, seu caçula. Elsa é humana, sábia e carinhosa, mas não imagina o que realmente seja um campo de concentração! Ao seu entender, tais campos são apenas presídios ou centros de contenção que tem como objetivo alocar prisioneiros judeus que estejam direto ou indiretamente envolvidos com as guerras. Com ela, seu filho Bruno partilha da mesma inocência, só que o garoto de apenas 8 anos, enxerga os campos como fazendas e acredita que todas aquelas pessoas do outro lado da cerca, sejam fazendeiros.

Recém afastado de seus amigos da cidade, Bruno carece de novos companheiros de mesma idade, e ao avistar um menino com a cabeça raspada trajando um uniforme listrado semelhante a um pijama, e sentado sempre próximo da cerca de arames farpados, que Bruno vê a chance perfeita para se reconstruir um novo amigo. Só que existe um grande e terrível problema nessa inusitada relação... o novo menino chamado Schmuel (ou Samuel, que é como Bruno o chama depois que o conhece) é um pequeno Judeu, e como todos naquela época, era tratado como um verme asqueroso, cercado por soldados alemães prontos para lhe machucar, caminhando sem mais esperança - ou força! - de viver com alegria. E, mesmo assim, é através do menino alemão Bruno, seu mais novo amigo, que o judeuzinho Samuel volta a sorrir. E está aí toda a carga de emoção, beleza e inteligência que o filme poderia nos transmitir: na sincera e natural amizade dos dois meninos!!!

É emocionante ver que quando Bruno (Asa Butterfield) conhece Samuel (Jack Scanlon) atrás do cercado, a primeira pergunta eufórica que este lhe faz é se tem muita comida de onde ele vem? Ora, não precisa ter mais diálogos para se complementar o terror que aquele cenário de guerra fez no menino judeu... sua transparente e sofrida pergunta já exprime todo o resumo da covardia e humilhação pelo qual ele está passando. O roteiro é fabuloso! Não há como se elogiar um filme quando não nos sentimos tocados e deslumbrados com a maneira de como os personagens são desenvolvidos, como a história é transmitida e como toda a linha narrativa do filme é colocada de maneira gradativamente espetacular. O diretor Mark Herman adaptou de forma perfeita o já extraordinário best seller de John Boyne realizando uma direção precisa, segura e totalmente envolvente. O elenco também ajuda, principalmente, Vera Farmiga (a Elsa, mãe de Bruno) que consegue mudar toda a sua forma interpretativa em reagir contra os métodos de seu frio marido. Aliás, acredito que foi ela a grande vítima de toda a estupidez que seu imbecil esposo colaborou.

Mas no entanto, é a amizade de Bruno e Samuel que mais mexe com a gente! Não há uma cena se quer, onde os dois meninos aparecem juntos que não nos sentimos compartilhados de tudo aquilo. Não são excelentes atores mirins ou crianças-prodígios como Haley Joel Osment ou Dakota Fanning, mas conseguem com naturalidade e com um envolvimento sutil, despertar em nós o carinho e a verdade que aquela relação tão cheia de obstáculos poderia nos passar. E conseguem pra valer, com muito louvor! Bruno e Samuel, diferente dos meninos de O Caçador de Pipas, jamais se afastam ou se renegam por algum motivo... ao contrário, quando tudo parecia distanciá-los de vez, é quando eles se unem no momento mais bonito e ingênuo de todo o filme... é quando, finalmente, O Menino do Pijama Listrado chega em seu desfecho e se torna uma poesia!

Essa pérola cinematográfica é a prova absoluta de que jamais foi necessário usar efeitos ou se utilizar das eloquências técnicas que o Cinema pode proporcionar para se criar um verdadeiro drama de guerra. E para um filme desse gênero, é espantoso que não haja sequer um único tiro ou sangue derramado durante toda a projeção... e foi isso que me deixou ainda mais fascinado, pois O Menino do Pijama Listrado nos dá uma aula de intolerância humana não em cenas violentas, mas apenas mostrando a dificuldade de se manter uma afetuosa e carinhosa relação entre dois pequenos amigos... só por terem etnias diferentes.

NOTA 10

PS: O velhinho que faz o judeu Pavel nos comove inteiramente, e ver ele em cena assim como observar aquela fumaça negra sendo expelida pelas chaminés dos campos de concentração, nos faz perguntar do por quê de toda aquela estúpida selvageria? Um filme que merece ser visto e revisto, mesmo que seja uma verdadeira e precisa pancada na alma.

ABISMO DO MEDO - Criaturas legais e protagonistas chatas!

2009-01-17T09:57:00.007-02:00

Com uma sinopse simples e um desenvolvimento rápido, Abismo do Medo consegue nos assustar em cenas claustrofóbicas e tensas, apresentando uma ameaça bem interessante, apesar de não conseguir fugir do clichê e de algumas cenas completamente exageradas. (O trabalho visual do pôster do filme, no entanto, merece meus sinceros elogios!!!)

Tudo começa quando seis moças decidem explorar uma caverna (para se desestrassarem, por radicalismo, sentir novos desafios ou apenas movidas pela TPM!) e logo, percebem que haviam entrado na caverna errada porquê uma delas não trouxe o livro de expedição (é sério, não riem!). Quando já imergidas na escuridão total das grutas e nos incômodos e nervosos túneis da misteriosa caverna, as seis jovens começam a avistar estranhas criaturas antigas que habitavam o interior daquele declínio. À partir daí, e cada vez mais, uma sucessão de erros cometidos pelas seis mocinhas vão acontecendo (de forma idiota, convenhamos!) e as criaturas parecem perceber isso (os erros e a idiotice delas) e partem pra cima, aterrorizando, vitimando e assustando cada vez mais.

O filme é interessante. Não nego a falta de bom senso do roteirista que transformou algumas personagens em puro clichê cinematográfico: existe a chata, a mais chata ainda, a irritante que só sabe gritar, a medrosa pessimista, a cretina e a versão Rambo de saias (substitua apenas as metralhadoras de Stallone por uma machadinha de alpinismo); mas com tudo isso, Abismo do Medo funciona como terror, por incrível que pareça. O diretor Neil Marshall que também foi quem escreveu o filme, funciona mil vezes melhor comandando as cenas do que escrevendo o roteiro, sem sombra de dúviida, e consegue criar bons momentos de tensão, sequências angustiantes misturadas à claustrofobia e ao nervosismo das personagens e coloca o clima de suspense sempre crescente. As atrizes, pelo menos, ajudam a compor essa histeria e duas delas se destacam: a que vive a personagem Juno (a Rambo de saias na qual falei) e Sarah (a "mocinha principal", que de medrosa vai recuperando uma coragem até então inexistente... e, por vezes, absurda!). Holly e Beth, são certamente, as mais insuportáveis! Enquanto a primeira tentava sempre liderar o grupo e só fazia merda atrás de merda - a ponto até de quebrar a perna e dá trabalho em dobro pras amigas -, Beth se esforçava em ser a legalzinha, mas escondia um mau caratismo impiedoso, conseguindo ter um final tragicamente imbecil. E pasmem: mesmo morrendo, ainda delata o erro de uma outra personagem propositalmente... "muy amiga", não? (acho que merecia morrer mesmo, rs).

Por outro lado, as criaturas foram bem construídas e elaboradas! Seres meio humanóides, mas com sentidos de morcegos (como o sensor ao som e a cegueira), elas conseguem mesmo impressionar... seja no lado interpretativo (há todo um trabalho de expressão corporal muito bem coordenado) e no lado estético (a aparência dos monstrengos realmente assustam). E, ao contrário das moçoilas heroínas que se perdem a cada movimento e atitude, as das criaturas são totalmente bem osquestradas.

Bem dirigido, mediocremente escrito e com um elenco irregular, Abismo do Medo consegue ser o tipo de terror que provoca bons sustos por parte dos seres bizarros e irrita com tantas mocinhas exageradas e chatas!

Nota 6

PS: Ao menos, o filme ensina uma IMPORTANTE lição: nunca, nunca mesmo se aproxime silenciosamente por trás de alguém... ainda mais quando esse alguém estiver com uma picareta na mão depois de matar monstrinhos feiosos.

NA MIRA DO CHEFE - Uma ótima surpresa

2009-01-11T12:05:00.011-02:00

Às vezes sou acometido por grandes e inusitadas surpresas cinematográficas! Filmes em que eu acredito serem bons me decepcionam completamente e, alguns outros, em que eu assisto sem a menor expectativa, me agradam em cheio... e é o caso de Na Mira do Chefe ("In Bruges", 2007), filme quase independente, dirigido por um estreante cineasta saído dos teatros e estrelado por três craques do cinema como o versátil Colin Farrell (Por Um Fio), o talentoso Brandan Gleeson (Coração Valente) e o brilhante Ralph Fiennes (O Paciente Inglês).

O filme, todo filmado na Bélgica (na medieval cidade de Bruges), conta a rápida - e original! - história de dois matadores de aluguel que depois de realizarem um serviço, são mandados para aquela isolada cidade a fim de realizar mais um outro pequeno serviço a mando do chefe. O problema todo começa justamente aí: o que seria uma tarefa simples, acaba saindo do controle e transtornando a todos, principalmente um dos matadores e seu meticuloso chefe.

O filme - uma comédia dramática - possui ótimos e perfeitos diálogos, e situações muito bem elaboradas envolvendo principalmente os três protagonistas centrais (os dois matadores Ray e Ken e seu chefe Harry). O roteiro sabe explorar de forma muito inteligente cada um de seus bem construídos personagens. Até os coadjuvantes são muito bem destacados, como a moça que se envolve com um dos matadores, seu ex-namorado, uma hoteleira, um vendedor de armas e até um ator anão. A história, totalmente envolvente, consegue ainda nos manter "presos" de maneira sutil com todos os acontecimentos que vão surgindo em cena, sejam eles dramáticos ou puramente hilários... e essa mistura, do drama com a comédia, acrescentado com diálogos super inspirados, me lembrou em muitos momentos, algum filme de Quentin Tarantino; como por exemplo, a conversa que Ray tem com sua namorada sobre os anões e quando Harry fala com certo personagem que acabara de perder um olho.

Se já não bastasse possuir uma ótima história magistralmente desenvolvida, Na Mira do Chefe ainda consegue extrair o melhor de cada ator. Colin Farrell, um matador em conflito que leva um peso na consciência, faz o personagem Raymond de forma extraordinária, colocando em excelente equilíbrio todo o fundo trágico e dramático de seu papel com uma gaiatice e comicidade de impressionar (reparem em seus trejeitos físicos e a maneira como entorta a cabeça para o lado e levanta os ombros num gesto meio pueril de quem não sabe dar uma resposta exata). Outro que merece muitos elogios é Brendan Gleeson, que faz o contido e racional Ken, um matador mais experiente, humano, que sempre procura analisar as coisas e realizar suas ações com muita calma e cautela, transformando-o no fim, no personagem mais íntegro de todos. E, finalmente, Ralph Fiennes, como Harry, o chefe da dupla de matadores... um indivíduo demasiadamente meticuloso, sistemático e cumpridor de regras bastante rigorosas. Seriam essas até qualidades, se o sujeito não fosse altamente perigoso!

Com todos esses deslumbrantes acertos, o diretor Martin McDonagh, que também escreveu e roteirizou o filme, e que me surpreende ainda mais por sair de peças teatrais e comandar esse seu primeiro trabalho para o cinema com muita habilidade e segurança, fez de Na Mira do Chefe, o típico "pequeno grande filme" que nos envolve, nos emociona e nos faz rir de maneira espontânea e com muita inteligência.

Nota 9

PS: A única seqüência sonorizada por uma música, é também pra mim, a mais emocionante de todo o filme!

APENAS UMA VEZ - Amor e Música numa linda obra

2009-01-09T09:04:00.010-02:00

Definitivamente Apenas Uma Vez não é um musical. Embora, trate sobre música do início ao fim, ele é apenas um filme romântico - e o "apenas" é eufemismo para dizer que se trata de um dos mais belos e sensíveis romances independentes feito nas últimas décadas.

A simplista e bem conduzida história gira em torno de um casal de músicos: ele, um cantor que trabalha consertando aspirador de pó e que toca violão nas ruas de Londres para ganhar mais trocados e divulgar suas composições. Ela, uma delicada pianista que vende revistas e flores e que de vez em quando, também canta. Depois de uma abordagem rápida na calçada, onde ele acabara de executar uma de suas - ótimas! - canções, ela pede para que ele conserte seu aspirador quebrado e logo, os dois começam a sair juntos, a se conhecerem e aprenderem simultaneamete a admirar e a gostar um do outro, mesmo que tais sentimentos fiquem implícitos nos gestos e em algumas palavras; um detalhe que me lembrou muito do também romãntico Antes do Pôr do Sol, com Ethan Hawke e Julie Delpy.

Apenas Uma Vez surpreende justamente por esses pequenos entrelaces espirituosos, instintivos e carinhosos entre o casal, criando um relacionamento palpável, profundo e muito sensível. Afinal, apesar de estarem sempre sorrindo um para o outro, ambos possuem dramas em suas vidas e nos seus passados. E o maravilhoso desenvolvimento do roteiro, consegue explorar isso com delicadeza e amorosidade, fazendo acreditarmos nas atitudes e nos sentimentos daquelas duas pessoas.

Com o estilo "câmera-na-mão", o inteligente diretor acaba optando por uma linguagem estética de documentário, o que fortalece ainda mais o "clima real" do casal e enriquece totalmente o visual com elementos técnicos simples e diretos de câmeras, como o zoom lento ou o "tripidar da lente" acompanhando os personagens, em algumas tomadas.

Mas o trunfo do filme, além, é claro, da relação crescente e vigorosa daquele casal, é a fabulosa trilha sonora escolhida com maestria pelo diretor e, provavelmente, composta especialmente para a produção. Arrisco até em dizer que, se as músicas cantadas pela dupla de protagonistas fossem executadas de verdade por aí a fora, teríamos sem dúvida, dois novos artistas de sucesso no cenário musical! Duas canções em especial me marcaram bastante: a que é cantada no violão e piano por eles dois num dueto, dentro de uma loja de instrumentos, e uma tocada no final, com a banda toda no estúdio fonográfico. Mas não posso esquecer também daquelas que me emocionaram, como a que ele canta segundos antes dela aparecer pela primeira vez, e uma que ela canta no piano sem chegar no final.

A química do casal foi tão imensa e natural, que fica difícil não o adorarmos de imediato e torcermos para que fiquem juntos... e embutido a isso, eu fiquei numa enorme vontade de vê-los sendo mais explorados pelo ótimo script. Uma curiosidade é que em nenhum momento os nomes dos protagonistas são ditos. Nos créditos finais, ele está como "cara" e ela como "garota". Mas, talvez, a falta de nomes seja uma interessante metáfora de que quando relacionamentos são fortes e verdadeiros não se precisa de nomes para nos entregarmos de coração.

NOTA 8,5

PS: Algo me diz que a frase na língua Tcheca "Noor-ho-tebbe", que ela diz para ele em um bonito momento do filme, e que ele fica sem a tradução pois ela intencionalmente não revela, quis dizer: "Eu amo você!".

UM CRIME AMERICANO - Impiedosamente cruel

2009-01-08T05:17:00.020-02:00

Há muito tempo não assistia uma obra tão forte e intensa quanto Um Crime Americano. Não falo de cenas sangrentas ou sequências de morte. Mas falo daquilo que pode ser o mais perturbardor para a alma e o que faz nossos corações sangrarem diante de tanta crueldade contra uma inocente e indefesa menina. Sylvia Likens conheceu esse verdadeito horror de frente e sofreu todas as dores que a maldade humana poderia lhe causar, desde o terror psicológico às torturas físicas. E seu carrasco atendia por um nome feminino e complicado: Gertrude Baniszewski.

O filme escrito e dirigido por Tommy O'Haver, baseado em fatos reais ocorridos na década de 60 no estado de Indiana, Estados Unidos, mostra de maneira direta e sem floreios, toda a tragédia que envolveu as famílias Likens e Baniszewski... mais precisamente, a jovem Sylvia Likens e sua irmã mais nova, Jenny Likens.

Depois de serem deixadas pelos próprios pais, por algumas semanas, aos "cuidados" de uma senhora aparentemente regrada, Sylvia e Jenny começam a perceber o controle rígido e obcecado que Gertrude Baniszewski exercia sobre seus filhos. Mas é curioso percebermos o comportamento dúbio dessa mãe de seis crianças; Gertrude é capaz de frequentar a igreja assiduamente, se relacionar de maneira amistosa com o Reverendo e com a vizinhança, e parece sempre pronta para ser prestativa para quem quer que seja. No entanto, toda essa "simpatia", esconde uma dona de casa frustrada, emocionalmente descontrolada e, algumas vezes, até vulgar, chegando assediar rapidamente o pai de Sylvia e Jenny e se insinuando até mesmo para Ricky, um garoto retraído que parecia só ter 15 anos de idade. Não demora muito para Gertrude exibir todo a sua violência, colocando como "desculpa" para suas atrocidades, o senso protecionista que possuía para com seus filhos! Se no princípio, achamos que ela era rígida e autoritária com quem fosse para manter a imagem imaculada de sua família, logo a vemos se transformar num monstro cruel e sem nenhuma intensão de separar mais o que era o certo e o errado. Pode ser que o único momento de reflexão mais nítido que aquela maldosa mulher teve perante os atos absurdos que fazia, foi durante um rápido desabafo dentro do porão enquanto esfregava um pano umedecido no rosto de sua vítima... mas nesse minuto, por tudo que já havia feito com a menina Sylvia, era tarde demais para qualquer tipo de arrependimento.

O filme é implacável nas cenas de punição e castigo que Gertrude Baniszewski realizava. Nada é mostrado explicitamente, mas apenas as imagens sugestivas que uma ponta de cigarro, um ferro em brasa ou uma garrafa de coca cola pode causar, são perplexamente chocantes e é algo que nos perturba profundamente. Sylvia Likens foi massacrada, humilhada e colocada como um animal para apenas servir como bode expiatório ou uma terrível amostra do que aquela mulher insana, que se dizia dona de casa, faria com quem saísse de seu controle. E é dolorosamente triste e penoso testemunharmos pessoas de fora, como os vizinhos que ouviam os gritos mas preferiam ser omissos ou os perversos jovens que iam até o porão para destruir ainda mais Sylvia, sendo manipulados pelas ações e atitudes que aquela louca e maligna mulher causou contra um único ser humano.

Mas Um Crime Americano certamente não teria o impacto que teve se não tivesse duas atrizes poderosas interpretando as duas personagens principais. É claro que a atriz Ari Graynor, que fez Paula Baniszewski, a filha mais velha de Gertrude e talvez as outras crianças tenham colaborado para a força do filme, mas é realmente Catherine Keener (de O Virgem de 40 Anos) fazendo Getrude Baniszewski e Ellen Page (de Juno e Menina Má.Com) como Sylvia Likens, que carregam com toda a força o filme em seu mais alto teor de tensão e angústia. Mesmo que Catherine Keener faça de Gertrude uma mulher desequilibrada, cruel e completamente má, a talentosa atriz também nos passa - por mais sutil que seja! - elementos humanos na vilã, como sua constante tosse provocada pelas crises de asma que sofria e durante aquele tortuoso desabafo no porão. E Ellen Page mais uma vez brilha mostrando que é uma das melhores atrizes de sua geração, tranformando Sylvia num ser frágil, aquebrantado e sofrido, que mesmo por um leve sorriso ou por um olhar mais terno, nos faz acreditar plenamente que aquela menina tão ingênua e simples, tinha uma alma bondosa e pura que foi completa e covardemente destroçada.

E pra mim, é revoltante saber que, mesmo de maneira primária e irracional, as crianças que entraram naquele porão e os vizinhos que se omitiram em chamar a polícia, colaboraram direta e indiretamente com toda aquela perversão e, no final de tudo, também foram coniventes com todo o crime praticado naquela casa!

NOTA 9

PS: "Eu conhecia Sylvia e sabia que ela chorava, mas nunca mais a vi chorar... mas acho que é porquê ela já não tinha mais lágrimas para derramar!", essa frase dita ao final do filme pela irmã de Sylvia, Jenny Likens, define bem todo o pesadelo por qual a menina havia passado.

PROCURANDO AMANDA - Entediando o Espectador

2009-01-07T22:49:00.009-02:00

Eu adorava Matthew Broderick nos anos 80. O ator, pra mim, era um dos melhores atores jovens de sua geração e realizava ótimos filmes que nos faziam gostar ainda mais dele. Afinal, quem nunca viu e não gostou de O Feitiço de Áquila, Projeto Secreto Macacos e, talvez, aquele que tenha sido seu maior sucesso: Curtindo a Vida Adoidado? Onde Broderick interpreta maravilhosamente o carismático matador de aulas Ferris Bueller, o transformando num ícone para todos os adolescentes daquela época... inclusive, eu! Lamentavelmente, do fim dos anos 80 pra cá, Broderick parece não saber mais escolher seus projetos e caminha irregularmente entre fracassos estrondosos (como Godzilla) e filmes medianos (como Os Produtores e Um Natal Brilhante) se afastando cada vez mais de fazer algo arrebatador como Ferris um dia fez. E Procurando Amanda é mais uma obra do ator, infelizmente, a ser esquecida!

Com alguns pesinhos a mais desde que fez o simpático A Lente do Amor, com a musa das comédias românticas Meg Ryan, Matthew Broderick volta a fazer um tipo desajeitado, de jeitão perdedor, mas que no fundo, possui uma boa alma e quer melhorar. O problema é que seu personagem é um produtor de programas de TV decadente, viciado compulsivo em jogos e ex-viciado em álcool e drogas. Imagine agora quando esse mesmo sujeito tão cheio de fragilidades, resolve ir para Las Vegas (a terra dos cassinos) tentar convencer a sobrinha (a Amanda do título) que acaba de virar prostituta a entrar para uma clínica de reabilitação para dependentes químicos, já que ela também acaba de se tornar viciada? Com essa sinopse rasteira, o filme até inicia de forma interessante, dando indícios de diálogos rápidos e bem sacados mostrando uma desenvoltura na narrativa bem sedutora... ledo engano! Após os 15 minutos iniciais, percebemos que o roteiro parece caminhar, caminhar, caminhar e nunca dizer realmente para o que veio. Os diálogos comecam a se tornar repetitivos e desinteressantes, e até mesmo o personagem de Broderick cai na armadilha de ser transformado pelo roteirista e diretor Peter Tolan em mais um bobão que só quer resolver as coisas da melhor maneira, mesmo se comportando como um completo irresponsável. Desconfio que o personagem de Broferick, chamado Taylor Peters (que é quase um anagrama de Peter Tolan, o nome do diretor!) seja uma espécie de alter-ego do cineasta, já que o filme formula em alguns rápidos momentos de cenas, uma espécie de documentário. Resta saber se esse fraco diretor fez mesmo uma "auto-biografia".

Mas admito que o elenco é bom, desde Broderick (que mesmo escolhendo estupidamente seus personagens e filmes, continua um competente e carismático ator), passando por sua preocupada esposa interpretada por Maura Tierney até a simpática rebelde Amanda, feita pela jovem atriz Brittany Snow, que apesar de fazer uma personagem totalmente amoral e imoral, nos convence de sua louca simpatia misturada aos seus tormentos pessoais. Só é chato notar que nenhum atrativo foi criado para que gostássemos ainda mais desses personagens, seja numa história cativante ou numa direção firme e envolvente. Até há pouquíssimos momentos inspirados; mas quando uma situação interessante rapidamente acontece, ela é logo jogada no lixo na mesma velocidade que apareceu.

Sem nunca conseguir completar alguma lição de moral tantas vezes apresentada pelo diretor-roteirista, ou pelo menos transmitir alguma mensagem proveitosa se quer, e desperdiçando parcialmente o talento dos atores com personagens perdidos em cena, Procurando Amanda acaba se tornando uma comédia dramática que falha vergonhosamente tanto no drama quanto na comédia. E no final, constatamos que Broderick, ao menos, poderia sim ter escolhido um filme bem melhor!

Nota 4.

PS: A faxineira do Hotel tem a cara da Helen Mirren!!!

SESSÃO NOSTALGIA: Perseguidor Implacável (1971)

2009-01-06T04:17:00.018-02:00

Navegando pela internet em sites para downloads de filmes, deparei-me com um link de um clássico do gênero policial, que não só se tornou uma obra cultuada na época que foi lançado até os dias de hoje, como para muitos, foi o filme responsável pela revolução na linguagem dos filmes policiais... um verdadeiro divisor de águas. Estou falando de "Dirty Harry"! Ou, Perseguidor Implacável, título que ganhou aqui no Brasil.

Se antes, em meados de 40, 50 e 60, o cinema americano estava acostumado com bravos heróis puros como os guerreiros valentes, piratas destemidos e cowboys corajosos, foi na década de 70 que Hollywood começou a experimentar os anti-heróis; indivíduos que mesmo dispostos a enfrentar o mau e determinados a acabar com os bandidos, não abriam mão de seus métodos pessoais para acertar as contas com o crime - mesmo que para isso, eles tivessem que torturar violentamente algum informante, quebrar os dentes de alguma autoridade ou até mesmo dar uns bons tabefes em mocinhas bonitas. Personagens como Frank Bullet (Steve McQueen), Paul Kersey (Charles Bronson) e até mesmo Michael Corleone (Al Pacino) faziam a Justiça valer à seus modos! Mas nenhum personagem resumiu tão bem a forma fria e violenta como o marcante policial Harry Callahan, feito por Clint Eastwood. Mais conhecido por "Dirty Harry", o "sujo" Harry" (apelido que outros tiras o deram pelas suas ações nada convencionais contra a bandidagem), o Inspetor de São Francisco sisudo e calado, sempre preferia atirar primeiro para perguntar depois. Inclusive, até desconfio que a poderosa Magnum .44, revolver com alto poder de fogo capaz de abrir uma cabeça, só foi difundida pelo mundo à fora, por causa desse personagem tão icônico.

Mas não se enganem! O filme não é só violência, sangue e tiros... aliás, se for compará-lo com os atuais filmecos de ação, ele perde feio em matéria de cenas sanguinolentas. O que Perseguidor Implacável tem de tão bom é justamente a narrativa da história e a abrangência gradativa com que o roteiro vai expondo seu personagem central. Dirty Harry não é um robô indestrutível da Lei que sai pelas ruas matando. É apenas um policial que observa seu caso se diluindo com a burocracia lenta e cheia de incoerências das autoridades e testemunha cada vez mais o seu principal suspeito escapando impunemente para cometer mais assassinatos, devido os erros constantes gerados pelo interesse do poder público e pela sociedade hipócrita que firma seus tolos argumentos para proteger os que estão à margem da Lei. Há um diálogo excelente entre Dirty Harry e um promotor público que exemplifica bem essa imbecilidade que, às vezes, inutiliza uma ação policial: "Sem provas não podemos prender ninguém! E além do mais, os Direitos Humanos quer proteger esse homem!" (diz o promotor para Harry). "Eu não pude colher provas porque ele tinha um prazo pra matar a garota! E o que os Direitos Humanos fará agora com a menina encontrada nua e rasgada dentro de um buraco que esse pulha matou?". Enfim, Clint Eastwood está ótimo como Dirty Harry, mas merece destaque também o ator Andrew Robinson que faz o serial killer chamado de Scorpio.

Embora um tanto maniqueísta, o roteiro apresenta bons e diretos diálogos. Há quem ainda acuse Perseguidor Implacável de ser fascista, mas não é de se estranhar que quando o crime chega a um patamar tão consistente e emergencial, seja onde for, policiais precisem agir logo! E não defendo aqui a Justiça com as próprias mãos, mas defendo simplesmente a vontade enérgica e também emergencial de alguém que precise resolver logo as coisas. E se autoridades, governantes e qualquer outro tipo de supremacia burocrática esteja inerte e se perdendo em seu próprio novelo de conceitos e teorias, é normal que haja pessoas que comecem querer logo a prática... e Harry Callahan é apenas mais um símbolo disso. Muitas vezes, e em sua maioria, mal compreendido.

Uma curiosidade: os assassinatos do vilão do filme, foram inspirados no serial killer que existiu de verdade e que atacou São Francisco na década de 60, ocasionando o famoso caso do Assassino do Horóscopo, uma história que foi levada às telas com mais detalhes no filme Zodíaco, de 2007.

NOTA 9

PS: Por coincidência, no mesmo dia que assisti Perseguidor Implacável, acabei encontrando um blog de cinema onde um outro cara escreveu uma crítica bem legal e mais resumida sobre o filme. O blog se chama Resenha de Filmes (também está linkado aqui no Comentando Cinema, na seção dos Blogs), e seu autor agora é um cinéfilo amigo!

ESPELHOS DO MEDO - Um terror bem acima da média

2008-12-18T01:16:00.013-02:00

Fico um pouco assustado com filmes de terror, propriamente dito. Mas não assustado de medo ou pavor; embora o objetivo de um bom filme de terror, seja isso... mas como hoje já sou crescidinho e não preciso mais dormir de luz acesa (rs), o meu medo na verdade advém da ausência de um bom roteiro, de um bom desenvolvimento da trama (que mesmo que lhe pregue sustos, te deixe envolvido com a história) ou até mesmo da falta de criatividade que uma boa parte dos filmes de terror atual sofrem. Hoje o gênero quase sempre segue - lamentavelmente - a mesma fórmula: espíritos atormentados que começam a assustar o mocinho e a mocinha - ou suas famílias - até que os protagonistas consigam achar um jeito de livrar as almas tortuosas do sofrimento eterno. Convenhamos, essas sinopses já estão um pouquinho batidas e só desanima ainda mais quando acrescentadas por elementos mais batidos ainda, que sempre vem junto com o pacote! São eles: crianças aterrorizadas, velhinhas enigmáticas ou mesmo medonhas, uma maldição milenar que assombra o local ou alguém, e agora, também importado do Terror Asiático, ainda temos que ver inúmeras vezes menininhas cabeludas que saem de dentro da banheira, de baixo da cama ou que descem do teto como uma aranha. Mas com toda a sinceridade, nada que me faça desistir do filme... desde que o mesmo possua a boa e velha história MUITO BEM CONTADA. E nesse ponto, Espelhos do Medo não só cumpre essa função, como ainda consegue provocar autênticos arrepios!

Kiefer Sutherland (o famosíssimo Jack Bauer, da ótima série policial 24hrs), volta aos cinemas na pele de Benjamin Carson, um sofrido vigia noturno que além de enfrentar um relacionamento conturbado com sua esposa (eles estão quase se separando), ainda precisa superar o fracasso de sua carreira policial, curar sua bebedeira e para piorar, convencer a todos que os espelhos andam se comunicando com ele! Tudo bem, eu sei que parece muito exagerado... e é, à primeira vista. Mas o roteiro é esperto e mesmo criando clichês do gênero, sempre procura fugir deles da maneira mais empolgante possível. A propósito, é interessante comentar que o diretor espanhol Alexandre Aja (também roteirista do filme!) é novato na direção, mas cumpre muito bem seu papel, fornecendo pistas e enquadramentos muito bem feitos, como as tomadas sutilmente elaboradas para nos mostrar imagens espelhadas onde menos imaginamos, como no assoalho bem encerado de uma casa, na mesa bem envernizada, em retrovisores de carros, nas poças de águas e até mesmo na lataria de um brilhoso automóvel. Sinais pequenos, mas genialmente subliminares, de que os reflexos estão nos acompanhando. E para piorar - ou melhorar! - o clima de suspense do filme, os espelhos são um show à parte, sendo muito bem focalizados com a exata dimensão de como eles surgem em cena, sempre repentinos, imponentes e tenebrosos. É certo que ficamos com MEDO só de encarar aqueles vidros!

Embora, seguindo a velha cartilha para se criar sustos (como a música mais acentuada, gritos de pessoas, sequências de fobia), Espelhos do Medo se desenvolve de forma sempre tensa, nunca dando-nos a chance de respirar e ainda convence em seu propósito natural de colocar os protagonistas que simpatizamos, como as grandes vítimas do inimigo fantasmagórico. E não falo só do vigia noturno Ben Carson, que nos fornece toda a vontade de torcer para que ele vença aqueles desafios, mas sim, de sua esposa e de seu casal de filhos pequenos. E é ainda mais angustiante nos deparar com crianças completamente ingênuas e que não fazem a menor idéia do mau que está diante deles, ainda sofrendo todos os riscos possíveis. E dentro desse contexto, tenho que parabenizar a atriz Paula Patton, que faz Amy Carson, a esposa de Ben, que atua de forma coerente e sensata, exibindo seu desespero de maneira convincente, como uma mãe exibiria ao ver seus dois filhos pequenos sendo ameaçados por aquilo que ela não entende! Patton, inclusive, me lembrou em alguns momentos a atriz Halle Berry!

Mas o ponto forte de Espelhos do Medo reside mesmo na explicação de como tais espelhos tornaram-se assombrados; uma explicação muito criativa e interessante, que mesmo sendo contado de maneira sobrenatural, ainda assim, possui a excelente habilidade de nos ter parecido lógica e real. E mesmo que o protagonista principal do filme, o ótimo Kiefer Sutherland, ainda lembre seu herói Jack Bauer de 24hrs (o que é inevitável, tamanha foi a dedicação do ator ao personagem da série!), ele ainda nos surpreende em alguns bons momentos de interpretação, como no choro esbravador dentro de um banheiro diante da morte de um personagem e quando tenta por todas as maneiras eliminar os espelhos da própria casa e convencer a esposa, ainda incrédula, de que não está louco e o que enfrenta é mais sinistro do que se pode imaginar.

Mas depois de tanta correria, apreensão e medo, a surpresa maior do filme é revelada em seus últimos segundos antes do término, quando finalmente, descobrimos que algo mais aconteceu... e é também nesse momento que sentimos que Espelhos do Medo não será uma obra prima incontestável dentro do gênero, como foi O Sexto Sentido ou Os Outros, mas mesmo assim, será lembrado como um filme perturbador e muito angustiante, com um final que consegue jogar - com sagacidade! - sua última carta.

*NOTA 7

PS: Para os mais impressionados, o filme nem tem tantas cenas assim de terror "brabo", mas a que envolve a morte de uma mulher na banheira, aconselho pelo menos, a piscarem rápido! (rs)

O CAÇADOR DE PIPAS - Melancolicamente bonito

2008-12-15T19:50:00.021-02:00

Há filmes que nos despertam alegria, outros nos despertam revolta e há ainda aqueles que nos fazem refletir; sobre muitos aspectos em nossas vidas. O Caçador de Pipas está nessa última categoria... mas mesmo que ele tenha como mensagem principal a reflexão à respeito de nossos atos, é também um filme que nos provoca certa revolta e certa alegria em alguns de seus momentos mais intensos.

Para começar essa crítica, é necessário dizer que não estamos diante de um típico filme hollywoodiano. O Caçador de Pipas - inspirado num Best Seller homônimo escrito por um Palestino - abrange a amizade, a honra paternal, a tradição da família e da cultura paquistanesa e afegã e, principalmente, o quanto de devoção estamos disposto a dar aos sentimentos e à consideração humana. E é nesse quesito, das emoções e da tolerância e aceitação, que o filme conquista qualquer um... e o fato de que durante toda a projeção, não vemos sequer nenhum rosto ocidental e muito menos qualquer participação de atores americanos, já faz com que acreditemos que essa obra superou grandes desafios de público e, por isso mesmo, já merece notórios elogios pela qualidade que manteve em sua lição!

Amir Jan é um menino mimado e frágil, criado com todas as regras e leis que seu pai, um rígido e honrado paquistanês de posses, foi capaz de lhe transmitir. Hassan é um menino afegão, filho do empregado do pai de Amir, que nunca teve tantas oportunidades de futuro, mas que vivia o presente com força, alegria e, principalmente, muito caráter. Apesar de diferentes no jeito pessoal e social, Amir e Hassan viviam juntos e se divertiam juntos, compartilhando uma brincadeira em comum que os unia ainda mais: a tradicional disputa de pipas na região.

O problema é que Amir, o menino rico, parecia não mergulhar de verdade na amizade a qual Hassam, o "Hazara" (termo preconceituoso que definia os afegãos), sempre o demonstrava. E foi durante uma impiedosa cena, em que Hassam é a vítima, que começamos a compreender o jeito ingenuamente covarde do menino rico, quando este se omite a ajudar o amigo. Depois disso, uma crescente rebeldia sentimental domina o fraco Amir, pela situação que o colocou como testemunha passiva e prostrada do mal que fizeram com o bonsodo Hassam, e cada vez mais, os dois vão se afastando fisicamente... e moralmente. Anos mais tarde, vemos Amir vivendo na América como um bem sucedido escritor de livros enquanto que Hassam continuou no Afeganistão, com todas as sua dificuldades.

O filme começa de maneira lenta, mas envolvente, para mais tarde, revelar que depois da ocupação Russa no Afeganistão, não só a política do local mudou, como os sentimentos dos próprios povos das regiões vizinhas foram transformadas, um contra os outros. A cidade na qual Amir e Hassam viviam, tornou-se um acúmulo de destroços, demarcando os territórios liderados pelas milícias afegãs. Mas é na volta "forçada" de Amir ao local de origem, que muitas descobertas começam a tomar forma, até que o mais bonito acontece: o jovem adulto Amir percebe o quão errado foi com Hassan e está mais do que nunca disposto e propenso a querer melhorar... afinal, não se trata apenas de um pedido de "desculpas" em atos feito por Amir, mas sim, de tentar ao menos, dar um futuro melhor para uma nova criança que ele pretende agora salvar. E que, assim como foi com Hassan, seu melhor amigo, este novo menino só precisa de alguém que o dê mais esperanças!

Dirigido com muita delicadeza por Marc Foster (diretor alemão que recentemente comandou a nova produção de 007), o filme ganha na ótima trilha instrumental, na fotografia sutil, porém, marcante e, principalmente, na forma simples e direta das interpretações de todos os atores - não ocidentais - envolvidos nesse belo projeto. E se um filme precisa lançar uma mensagem bonita dentro de um contexto triste sem ser piegas ou clichê, O Caçador de Pipas, é com certeza, um dos melhores representantes!

*NOTA 8

PS: A realidade das crianças paquistanesas e afegãs, vítimas dessas guerras absurdas e desse conflitos imbecis por terra e religião, torna-se um agravante ainda maior do que analisar as ideologias, políticas e crenças desses povos que parecem só pensar em brutalidade do que na humanidade de seus próprios semelhantes. E se, já é doloroso testemunharmos muitos daqueles meninos com fome, amontoados em alojamentos improvisados ou escondidos em galpões e escolas, é ainda mais doloroso saber que alguns deles ainda são pegos por sheiks ou líderes de grupos terroristas para servirem como "distração" ou serem treinados para virarem futuros soldados. E esses meninos aceitam... apenas para não morrerem!

MOTOQUEIROS SELVAGENS - Uma despretenciosa e divertida comédia

2008-11-21T02:02:00.010-02:00

Ver um filme onde o elenco principal é formado por John Travolta (de Grease - Nos Tempos da Brilhantina e do clássico Os Embalos de Sábado à Noite), Tim Allen (protagonista de várias comédias-família e eternizado pela imponente e marcante voz que emprestou ao astronauta Buzz Lightyear de Toy Story), Martin Lawrence (o baixinho zombador de Bad Boys e Vovózona) e o inusitado, porém, ótimo ator William H. Macy (de Fargo e Celular - Um Grito de Socorro) é no mínimo curioso! Mais curioso ainda quando esses mesmos carismáticos atores decidem se unir para fazer uma comédia sobre 4 quarentões entediados com suas vidas urbanas e caretas, que decidem de uma hora para outra, se aventurarem no melhor estilo road-movie sobre as garupas de motocicletas a fim de cruzarem o país até o pacífico. O resultado não poderia ser diferente: situações ingenuamente cômicas com muita simpatia tanto nas interpretações quanto nos espirituosos diálogos!

Woody (John Travolta, sempre atuando com charme) é um almofadinha que tem uma boa vida de conforto quando, de repente, se vê no início de uma crise profissional onde acaba também acarretando uma crise em seu casamento. Desolado e estressado, ele resolve atravessar o país numa motocicleta, sem regras, sem leis e com a total liberdade - e irresponsabilidade! - como nos bons e velhos tempos de adolescente. Mas para isso, ele precisa convencer seus outros três amigos, igualmente cansados do cotidiano, de apoiar a idéia e embarcarem todos juntos em suas motocicletas estilosas. Doug (Tim Allen e sua experiência em comédias deslavadas) , aparentemente é o mais sensato do grupo, mas aceita o convite depois de perceber que sua esposa e filho o tratam como um velho chato e desinteressante. Bobby (Martin Lawrence com sua ginga malandrinesca) é um homem saturado de seu trabalho como limpador de banheiros e que se sente cada vez mais longe do controle de sua própria família, mas decide também encarar o desafio, mesmo que escondido de sua autoritária esposa. E por fim, Dudley (William H. Macy, na minha opinião, o melhor ator em cena!), o verdadeiro estereótipo do velho nerd que trabalha com computadores e que também possui aquele velho estereótipo do desajeitado tímido que acima de tudo, deseja manter a boa aparência e cordialidade, e que também não demora muito para perceber que levando uma vida solitária, a melhor opção é aceitar a proposta incomum do amigo Wood. Juntos, eles refazem suas motos e partem pela estrada com o mesmo ideal e filosofia de um grupo de garotos de 10 anos.

O filme conta com a sorte de possuir um elenco mirado na simpatia. Por mais que alguns ali sejam notoriamente rasos em suas interpretações (caso de Tim Allen, acostumado em fazer comédias bobinhas da Disney, e de Martin Lawrence, sempre fazendo o mesmo papel do gaiato gozador), o filme ganha muito em explorar o que cada um tem de melhor, e não falo só dos personagens, e sim dos atores! Isso fica evidente quando percebemos que Lawrence faz justamente o mesmo cara que adoramos ver sacaneando seus "inimigos", numa cena que usa e abusa de seus trejeitos zombadores pra cima deles sem esses poderem contra-atacar e, mais ainda, quando pegam Travolta, manjado por ser um ótimo dançarino e por ter rendido excelentes cenas de dança em filmes de Hollywood, para ensaiar mais uma vez alguns passos bailantes com o objetivo de ensinar um dos amigos a dançar, para que este conquiste a simpatia da amada.

Embora esquemático, Motoqueiros Selvagens converte um roteiro simples - e até certo ponto, pueril - em um filme com uma abordagem rápida, interessante e sempre alegre, que em nenhum momento deixa escapar essa fluidez de nos apresentar uma história recheada de momentos divertidos com muita criatividade e ótimas sacadas! Exemplo disso está na hilária sequência onde os quatro amigos decidem tomar banho nús, aos pés de uma cachoeira, ou então, no momento em que testam uma brincadeira regional chamada "Espanque o Touro"! Apoiado totalmente na comédia de erros e de situações, o filme nos conquista rapidamente, e de quebra, ainda nos apresenta uma bela Marisa Tomei como uma cowgirl dona de uma barraquinha de pimentas, e um vilão perfeitamente exagerado, feito pelo competente Ray Liotta, líder da gangue de motoqueiros rivais.

Com muito Rock n' Roll (o filme passeia por Bon Jovi, à Steve Winwood, até Creedence), Motoqueiros Selvagens é uma carismática comédia sem pretensões de ser a melhor... mas que consegue nos fazer rir sem apelações e sem ofender ninguém (algo raro nas comédias rasgadas de hoje em dia) e que tem como principal mérito, transformar um simples enredo num dos filmes mais divertidos e legais que já se fizeram no ambiente empoeirado das estradas e ao emblemático ronco das motocicletas Harley Davidsons.

*NOTA 7

PS: Ao meu ver, Motoqueiros Selvagens consegue debochar do clássico Easy Rider ao mesmo tempo que lhe presta uma grande homenagem!!!

UM AMOR PARA RECORDAR - Romance jovem com uma alma adulta

2008-10-25T03:27:00.013-02:00

Antes de começar esse meu texto, eu preciso admitir que sou um pouco preconceituoso com romances teens. É verdade, eu não gosto muito deles. Nunca fui muito fã dos filmes que mostravam as paixonites e as intrigas amorosas de casais na puberdade. É como se todos os enamorados que possuíssem espinhas na cara e ainda frequentassem o ginásio não fossem dignos da minha atenção aos sentimentos que querem passar. Talvez, porque tenho pensamentos que me limitam a enxergá-los como inexperientes no mundo das relações, ou por mais certo, encará-los como atores sem tanto talento interpretativo nas questões do amor. Pois é... que baita preconceito cinematográfico, não? E sei que para um admirador de Cinema como eu, isso é um defeito que me relega conhecer obras primas e pequenas pérolas desse gênero, quando encabeçados por um elenco de adolescentes. Nada que afete tanto os romances adultos, já que esses eu sei que em sua maioria são concebidos com roteiros maduros, enxutos e personagens bem desenvolvidos; com atores preparados para dar o melhor deles e nos brindando com belas interpretações. Mas por quê diabos um filme embasado num romance teen também não poderia ser exibido com essas mesmas qualidades?

Eis que chega a hora desses meus pré-conceitos se rebelarem contra mim: Um Amor Para Recordar é um grandioso romance adulto... que só tem cara de teen.

Tudo começa com um acidente imaturo e inconseqüente orquestrado por jovens na beira de um lago. Mas essa introdução serve rapidamente para nos mostrar o jovem protagonista Landon Carter (o ator Shane West) que sofre daquela famosa e batida síndrome do bonitão-popular-irresponsável-que-precisa-manter-a-imagem-pros-amigos-igualmente-irresponsáveis. Bom, como eu disse, isso já é notoriamente batido... filmes como o musical Grease - Nos Tempos da Brilhantina já nos mostravam o mocinho feito por John Travolta acometido dessa mesma patologia. Só que sempre (sempre mesmo!) quem sofre com essa aparência artificial projetada são as meninas que se apaixonam pelo que o cara É enquanto eles sempre estão preocupados em COMO ELES TÊM QUE SER. E é aí que conhecemos a protagonista Jamie Sullivan (a atriz Mandy Moore), uma jovem estudante de teatro e cantora de um coral da Igreja onde o pai é Pastor. Religiosa e simples ao extremo, ela aos poucos vai mostrando uma outra realidade para Landon, mesmo que o garotão ainda se sinta reprimido em demonstrar o que sente. E é justamente nessa repressão toda sentimental, que o filme cresce competentemente!

Por um lado, vemos ele com o drama na consciência de ter compactuado com uma "brincadeira" que acidentou um amigo e ainda se fazendo do popular desleixado da escola, e por outro lado, vemos uma jovem delicada, inteligente e bonita que está disposta em ajudar o rapaz a "melhorar" e a revelar todos as suas amarguras, quando na verdade, parece ser exatamente ELA quem guarda um segredo... segredo esse que talvez, seja mais que um drama de consciência: mas um drama da vida!

Alongar essa crítica sobre esse filme, seria revelar mais coisas, detalhes da história, o que obviamente não convém fazer pelo risco de estragar essa pequena obra-prima. O filme é simples sim, mas muito bem conduzido, com uma direção inteligentemente precisa nas cenas mais profundas e de mais leveza nas cenas mais descontraídas. O elenco também ajuda: o veterano Peter Coyote (de ET - O Extraterrestre e Lua de Fel) faz o pai de Jamie e Daryl Hannah (de Splash - Uma Sereia em Minha Vida e Blade Runner - O Caçador de Andróides) faz a mãe de Landon. Mas realmente, quem me deu os "tapas na cara" quebrando aquele meu preconceito inicial e me surpreendendo com ótimas e corretas atuações, foi mesmo o casal teen feito pelo competente Shane West, que equilibra um Landon sizudo e frio para uma transformação mais calorosa e romântica de um jovem que começa a se descobrir mais humano, e finalmente, para Mandy Moore, uma atriz que, embora já tenha feito outros filminhos por aí, eu nunca quis saber de sua presença filmográfica, mas que me seduziu com sua Jamie sempre segura, dedicada, romântica, bondosa e muito, muito cativante! Acompanhar sua trajetória até o final, mexe sinceramente com a gente, e pela personagem ser tão transparente em sua sinceridade emotiva (a frase que ela diz lá no início para Landon que é "Te ajudo se prometer não se apaixonar por mim!"), faz com que todos nós percebamos depois que, ela não se trata de mais uma adolescentezinha preocupada em se maquiar pra curtir uma balada qualquer... mas sim, de uma jovem que mesmo com pouco tempo de vivência, conseguiu adquirir grandiosas e importantes lições de vida e que, principalmente, também soube ensinar todas essas coisas boas do amor e das relações à Landon...

No final, o filme deixa claríssimo o que um verdadeiro sentimento pode fazer com a gente. E não falo só do AMOR, esse sentimento que já é imortal, mas sim, do RESPEITO e da HUMANIDADE... valores esses, cada vez mais escassos hoje em dia, mas que foram a verdadeira felicidade para o casal principal.

* NOTA 8

PS: Jamie Sullivan é uma menina que todo homem decente se apaixonaria. Eu disse todo homem decente... e Landon se transformou em um.

MEU MONSTRO DE ESTIMAÇÃO - Uma maravilhosa fábula para todos os públicos

2008-02-06T14:56:00.005-02:00

Angus MacMorrow (o semi-extreante Alex Etel) é um menino inibido e solitário que espera o pai retornar da 2ª Guerra Mundial e tenta se aproximar com muito medo das águas da praia, já que não sabe nadar. Até que o garoto encontra uma pedra grande na beira do mar e decide levar para casa. Sem saber que, na verdade, a pedra era um ovo raro de uma espécie marinha que só existe na terra de uma em uma vez, o menino logo se depara com o nascimento - divertido! - da criatura do ovo. Soma-se a essa curiosa introdução, o comedido drama familiar envolvendo sua mãe, a interessante chegada de um desconhecido na cidade e a ameaçadora tomada do exército inglês nas terras aonde o menino costumava brincar. Daí então, Meu Monstro de Estimação passa de uma historinha aparentemente pueril a algo intenso e mágico, criando um clima ao mesmo tempo real de tensão, e de lirismo que toda grande fábula merece ter!

O garoto-protagonista realmente me surpreendeu... está longe de ser um Freddie Highmore (de A Fantástica Fábrica de Chocolates e de Em Busca da Terra do Nunca) ou de um Haley Joel-Osment (de O Sexto Sentido e A Corrente do Bem), mas também está longe de decepcionar; mostrando um talento mirim que cabe perfeitamente ao personagem, por mostrar que mesmo de trás de tanta amargura e rebeldia, o garoto só gostaria de ter um amigo ou alguém que o entendesse melhor. Contrastando com essa introspectividade do personagem infantil, surge Lewis Mowbray (o eficiente ator Ben Chaplin), criando um adulto sério e discreto, mas que estará disposto a entender o garoto e o ajudar na missão de proteger e esconder a criatura. Nessa trama que a cada minuto se torna ainda mais envolvente, conhecemos melhor a mãe do menino, Anne MacMorrow (a sempre competente Emily Watson), uma mulher austera e firme, mas que está ali para colocar as coisas no lugar... principalmente no que diz respeito aos sentimentos de todos. Ela chega a ter uma simpatia especial pelo forasteiro Lewis, o que ocasionará um certo ciúme (ou inveja!) no Capitão Thomas Hamilton (o bom ator David Morrisey) fazendo um rígido e frio Oficial do Exército. Mas não necessariamente vilanesco.

Todos os gêneros se misturam a cada cena dessa espetacular fábula com cara de obra-prima: ternura, aventura, ação, suspense, humor, drama e crítica(!), já que estamos falando de uma história narrada em plena Segunda Grande Guerra, e nesse tempo, a neurose dos soldados em vencer as batalhas eram ainda maiores, o que acabava mexendo e alterando muito dos costumes e da rotina de vida dos moradores locais. E por falar nos moradores locais, os dois velhinhos pescadores do filme conquistam pela forma de como atuam e pela graciosidade de seus personagens, formando dois coadjuvantes super divertidos!

Mas a sensação principal do filme e o motivo dele ser tão espetacular, é sem sombra de dúvidas, a relação emocionante entre Angus (o introspectivo menino) e Crusoé (a espevitada criatura marinha batizada com o nome do grande aventureiro literário Robinson Crusoé, um livro que o menino lia). Demonstrando sensibilidade, reflexão e companheirismo, Angus e Crusoé transmitem o que toda e verdadeira amizade entre dois seres (e aqui falamos de um humano e um anfíbio!) pode nos passar, apenas pelo simples fato da compreensão dos atos e das circunstâncias em que ambos se colocam. Um exemplo disso, é que mesmo não sabendo nadar e tendo um medo signifitivo da água do mar, o garoto se coloca nas costas de seu amigo Crusóe, e mergulha no lago, conhecendo assim, não só o mundo submarino que nunca pôde ver, mas também vencendo o medo e conhecendo até onde sua coragem poderia ir através da amizade que nutria por aquela estranha criatura! E acreditem: no filme esse trecho é ainda mais emocionante. E por falar em Crusoé, o ser marinho criado pela equipe da Weta Digital (a mesma responsável pela trilogia O Senhor dos Anéis e por King Kong) consegue nos fazer o queixo cair e os olhos brilharem, tamanho é o realismo do animal! Existem horas que a gente esquece estar vendo uma criatura digital!!! (As cenas em que Angus passa a mão pela cabeça de Crusoé é de um perfeccionismo magnífico). Outra coisa que mexe com nosso sentimentalismo e apego à Crusoé, é principalmente a simpatia e a delicadeza que o bicho consegue transmitir em suas feições e semblantes - mais um ponto merecidíssimo para a equipe dos Efeitos - fazendo-se comunicar com um ruído vocal mais chamativo ou de carinho, com um gesto mais alegre e desengonçado ou simplesmente pela quietude de um rosnar ou, mais ainda, pelo olhar quase real de amor ao menino. Tocante até a alma!

A meia hora final do filme então, é um delírio pra qualquer admirador de cinema!!! Impossível não se comover e/ou torcer para que aquela união tão incomum entre um garoto triste e um "monstro" aparentemente destruidor, não seja finalizado pela violência dos homens e pela estupidez dos mesmos.

Com uma direção impecável do diretor Jay Russel (de Brigada 49), o cineasta consegue mostrar uma grande segurança em praticamente todas as tomadas que realiza, e do roteiro extraordinário de Robert Nelson Jacobs (o mesmo do sensível e eficiente Chocolate), que baseado no livro "The Water Horse" de Dick King-Smith, consegue compôr dilágos naturalmente belos e um desenvolvimento narrativo que nos "prende" completamente, o filme ainda ganha uma simplista e bonita fotografia de Jeremy Braben, uma participação especialíssima do veterano Brian Cox (quem narra o filme) e uma trilha sonora (que só toca no final, rs) da sumida S'nead O'Connor! Com isso, essa pequena obra-prima completa toda sua grandiosiodade e arrebata de maneira inesquecível uma das melhores fábulas que eu já vi na vida!!!

*NOTA 8

PS: O filme explica como teria surgido a tão lendária e famosa história do Monstro do Lago Ness, cuja foto histórica, podemos ver em qualquer Google - Imagens.

VEM AÍ: Indiana Jones e O Reino da Caveira de Cristal (Matéria Especial)

2008-02-02T17:55:00.000-02:00

Se você tem menos de 25 anos, talvez ache um pouco exagerado o barulho que se faz quando o assunto é a quarta aventura do arqueólogo Indiana Jones, afinal, depois da chuva de blockbusters em série como Homem Aranha, O Senhor dos Anéis, Harry Potter, X Men, entre outros, o que poderia ser assim tão especial, não é mesmo? Pois acredite: Indiana Jones e O Reino da Caveira de Cristal tem tudo para ser o filme mais alucinante de 2008!

Não se trata de papo de fã. Toda a expectativa em torno da produção se justifica pelo tremendo sucesso dos três filmes anteriores, hoje considerados clássicos do cinema de aventura. Além disso, a volta de Indiana Jones às telas, só aconteceu depois que seus três pilares - o astro Harrison Ford, o diretor Steven Spielberg e o produtor George Lucas - ficaram satisfeitos com o roteiro, que levou 19 anos sendo escrito! Acrescente a isso o carisma do personagem, a qualidade técnica da produção, o elenco estelar... não há como dar errado.

A TRAMA
Na história - que é assinada pelo craque dos roteiros David Koepp (de Jurassic Park, O Pagamento Final e Homem Aranha) e também passou pelas mãos de nomes como Jeffrey Boam (de Máquina Mortífera 2 e A Última Cruzada), M. Night Shyamalan (de O Sexto Sentido, Corpo Fechado, Sinais e O Pequeno Stwart Little) e Frank Darabont (de Um Sonho de Liberdade, Cine Majestic e A Espera de Um Milagre) -, Indiana Jones vive agora tranquilamente como Professor Universitário até se ver envolvido em uma disputa pelo objeto do título contra agentes soviéticos, entre eles, a talentosíssima Cate Blanchett (de Vida Bandida, Elizabeth e O Dom da Premonição), encarnando uma vilã assustadora.

Segundo adiantou o produtor Frank Marshall, o crânio de cristal teria poderes extraordinários, por isso não poderia cair nas mãos dos soviéticos em plena Guerra Fria. Para ser mais exato, o ano é 1957, exatos 19 anos depois da aventura em busca do Santo Graal (no excepcional Indiana Jones e a Última Cruzada).

O FILME
De acordo com informações divulgadas na Internet, Steven Spielberg e George Lucas tentaram ao máximo recriar o mesmo estilo da trilogia, evitando abusar dos efeitos digitais e chamando para a brincadeira parceiros de longa data como o veterano e premiado compositor John Williams (autor do clássico tema do herói), Michael Kahn, que montou os três filmes anteriores e Janusz Kaminski, que trabalha com Spielberg desde A Lista de Schindler, substituindo Douglas Slocombe (que está com quase 100 anos!) na fotografia.

No elenco, a volta de Karen Allen ao papel de Marion Ravenwood (de Caçadores da Arca Perdida) é o mais instigante. Será que o romance com Indy gerou um herdeiro? O competente Ray Winstone (de Beowulf) como seu mais novo amigo e o garoto-prodígio de Hollywood Shia LaBouf (de Transformers e Paranóia) fazendo ninguém menos que o filho do herói, completam o time de coadjuvantes de luxo. Harrison Ford garante que seus 64 anos não pesaram nenhum pouco durante as filmagens realizadas nos Estados Unidos, Rússia, Inglaterra, México e Peru. Como aconteceu nos filmes anteriores, ele mesmo chegou a rodar várias tomadas sem dublê. É esperar pra ver!

RELEMBRANDO A TRILOGIA:
- Lançado em 1981, Os Caçadores da Arca Perdida (hoje chamado de Indiana Jones e Os Caçadores da Arca Perdida), coloca o arqueólogo em 1936, numa corrida contra os nazistas atrás da lendária Arca da Aliança, na qual Moisés teria guardado as tábuas dos dez mandamentos e que seria uma arma poderossíma. O filme simplesmente revolucionou o gênero da aventura e moldou o formato da série para sempre, com ação contínua, perseguições e reviravoltas incríveis.

- Indiana Jones e O Templo da Perdição foi lançado em 1984, mas a ação se passa um ano antes ao filme anterior, quando Indiana, fugindo da China de avião, cai na Índia e decide ajudar a população de um vilarejo pobre cujas crianças foram escravizadas. As Pedras de Sankara (um amuleto real indiano de fé e doutrinação) é o objeto que Indy terá que resgatar de uma Seita Maligna que pretende usá-las para benefício próprio. Apesar de mais sombrio e um pouco violento, o filme mantém o nível de adrenalina do anterior e realiza uma sequência final antológica em cima de uma ponte.

- Indiana Jones e A Última Cruzada, começa com o herói ainda jovem (na pele de River Phoenix) e explica a origem do seu apelido, do seu medo por cobras e de alguns de seus marcantes ícones, como o chapéu e o chicote. Com os nazistas como vilões principais, o clima do filme lembra um pouco Os Caçadores da Arca Perdida. Desta vez, porém, o objeto de disputa é o famosíssimo Santo Graal, o cálice sagrado que teria sido usado por Jesus na última ceia. Um dos destaques do filme é a participação de Sean Connery como pai de Indiana, com direito a todos os atritos típicos da relação pai e filho. Esse terceiro filme seria realmente o último da série e fecharia para sempre a trilogia... se não fossem os apelos emocionados de milhares de fãs pela volta do herói.

PS: O crânio de cristal pelo qual Jones lutará não foi inventado. Desde o século passado, caveiras de cristais são econtradas esporadicamente. Alguns acreditam que sejam objetos de antigas civilizações, ou até, peças esculpidas na Europa no final do século 19. A mais famosa caveira de cristal é o Crânio do Juízo Final, que teria sido encontrado na América Central.

SESSÃO NOSTALGIA: O Garoto do Futuro (1985)

2008-01-15T19:37:00.005-02:00

No ano de 1985, o filme De Volta Para o Futuro foi lançado tornando-se em pouco tempo uma febre que fez com que seus realizadores o transformassem numa trilogia (por sinal, uma das melhores trilogias da História do Cinema) e, de quebra, tornou seu protagonista Michael J. Fox - um rapaz recém saído dos seriados televisivos - num dos atores mais promissores daquela geração, em Hollywood. Mas foi também em 85, que uma modesta produção pegou carona no sucesso e no carisma do jovem ator, fazendo com que ele brilhasse mais uma vez e transformando uma fábula de terror moderna, num dos filmes mais simpáticos e puros que se tem notícia; "Teen Wolf" é seu nome original. Mas aqui no Brasil, aproveitando-se o mega sucesso de De Volta Para o Futuro, essa obra juvenil ganhou o mais incoerente título possível... "O Garoto do Futuro". Falta de criatividade à parte, o filme é um autêntico exemplar de como se misturar divertimento, alegria, drama e lirismo num roteiro simples e completamente envolvente.

Scott (Michael J Fox) é aparentemente mais um estudante frustrado com a maioria de seus relacionamentos e que tenta a todo custo conquistar a loirinha metida do colégio que não dá a mínima pra ele e que ainda namora o fortão encrenqueiro que, obviamente, implicará até o final com o nosso herói. Inclua ainda a situação de que Scott ajuda o pai viúvo numa pequena farmácia, possui uns amigos divertidamente loucos e tem em seu encalço, uma menina boazinha e legal que ama ele e não esconde isso. Com todos esses super clichês reunidos, o filme consegue nos encantar pelo inusitado fato de que Scott não é "um adolescente como todos os outros"... ele possui uma doença (ou habilidade, que seja!) hereditária que o faz virar um lobisomen. Isso mesmo! Num lobisomem adolescente com unhas, dentes, pêlos e todos as características típicas de um lobo. De princípio, o que nos faz pensar que essa "maldição" será seu mais terrível problema social, acaba fazendo Scott ser o aluno mais popular do colégio, trazendo sucesso em suas conquistas e o tornando astro principal de seu time estudantil de basquete.

As coisas andam muito bem e divertidas quando Scott finalmente percebe que suas "habilidades lupínicas" estão o apagando como pessoa, o afastando das responsabilidades e do dever de todo jovem sensato e bacana, reduzindo suas aventuras humanas cada vez mais e o jogando nos holofotes de quem só quer encará-lo como um espetáculo, uma aberração gratuita que se exibe e nada mais. O filme realça esses valores de forma muito clara nas simples conversas de Scott com seu pai, e nos diálogos carregados de inocência e emoção com a menina que o ama de todas as maneiras.

Dirigido de forma redondinha, com um elenco secundário que esbanja carisma e recheado de trilhas sonoras oitentistas (que eu amo!), O Garoto do Futuro (eu prefiro chamar de "O Lobisomem Adolescente", rs) demonstra que não é preciso extraordinários e estrondosos efeitos especiais para se compor um excelente filme. E que, mesmo se tratando de um roteiro que explora de forma leve as situações básicas de toda uma adolescência comum, não é preciso fazer roteiros bobos e medíocres que só dão vazão às loucuras sexuais e as badernas juvenis, como os filmes desse gênero agora fazem.

E vou continuar acreditando sempre que, se fizessem mais filmes juvenis nos mesmos moldes desses filmes juvenis da década de 80... os adolescentes de hoje seriam muito mais legais!

*NOTA 6,5

PS: "Com grandes habilidades, vem grandes responsabilidades". Essa frase é dita por Howard, o pai de Scott, numa conversa com ele na cozinha. É quase exatamente a mesma frase que o Tio Ben diz para Peter Parker no primeiro "Homem Aranha", só trocando a palavra "habilidades" por "poderes". Isso só me deixa ainda mais próximo de acreditar que aquela inocência de Parker só nos conquistou porquê ele levou a mesma lição que há 18 anos, o garoto Scott já havia aprendido.

88 MINUTOS - Al Pacino é o filme!

2007-08-18T19:00:00.006-03:00

Falar da competência e do talento performático de Al Pacino é "chover no molhado". Há décadas que o veterano ator prova sua maestria diante de qualquer papel. Sua versatilidade e seu dinamismo é tanto que, por menor que seja a complexidade de seus personagens, Pacino é capaz de transformá-lo em algo que vai além de só saber atuar. Toda essa experiência do ator, já o consagrou num artista que dispensa elogios... portanto, quaisquer que seja seus trabalhos, Al Pacino, no mínimo, sempre será extraordinário.

88 Minutos é um daqueles filmes que pode nos surpreender. Não pela história ou muito menos pelo desenvolvimento da mesma. Mas por conseguir colocar um protagonista diante de desafios físicos e psicológicos durante toda a projeção. Sem descanso. Sem pausa para respirar. E com toda a sinceridade, há poucos atores - que mesmo já senhores, como Pacino - conseguem ter um fôlego não só anatomicamente mas interpretativamente (será que existe essa palavra? rs) também!!

O filme conta a simplória história de um Professor de Psicologia (Pacino) que começa a receber ameaças anônimas pelo celular dizendo que ele só tem apenas 88 minutos de vida. Daí pra frente, além de testemunharmos a correria do protagonista afim de descobrir quem é que está por trás de tudo, para manter sua vida intacta, também somos jogados de um canto ao outro nas suspeitas que recaem sobre quase todo o elenco!

O enredo é bom e o argumento cumpre muitas coisas legais. O problema mesmo são os famosos clichês batidos dentro desses gêneros policiais/suspense. Inclusive, diálogos que soam repetitivos demais. Confesso que não gostei da inteiração da jovem atriz que ajuda Pacino do início ao fim. Ela não é ruim. Faz o certinho em seu papel. O problema mesmo é que, ao lado de um cara completamente dominante na arte de interpretar, ela fica meio que... artificialzinha. Bom, nada que comprometa o filme gravemente. Aliás, também confesso que do meio pro final, 88 Minutos ganha um novo fôlego que nos prepara para, enfim, desvendar quem é que está por trás das ameaças contra Al Pacino. Poderia ser o óbvio (até que de um certo ponto, é!), mas um elemento surpresa no final modifica essa obviedade. Ponto exclusivo para o roteiro!

Interessante e redondinho, 88 Minutos certamente não é daqueles filmes que lembraremos sempre quando mencionarmos os trabalhos do poderoso Al... mas também não decepciona! Sem dúvida, Al Pacino carrega inteiramente o filme nas costas. Mas, ao menos, não carregou um filme ruim.

E isso é o que importa!

* NOTA 5,5

PS: O cabelo de Pacino nesse filme me lembrou muito aqueles ninhos de mafagafos.

TURISTAS - O filme trash que humilhou os brasileiros

2007-07-16T16:33:00.004-03:00

Os filmes trash foi uma definição criada a partir da década de 80 que identificava uma obra cinematográfica realizada de forma artisticamente mal feita e com recursos técnicos de quinta. Grandes exemplares caíam mais para o gênero do terror e da sanguinolência. Alguns até, alcançaram uma aura cult e se transformaram em clássicos como Fome Animal (do diretor Peter Jackson, antes de sonhar com o celebrado O Senhor dos Anéis) e Re-Animator (o filme que deu o pontapé inicial para os zombies-movies). Mas a maioria não passava de puro entretenimento barato e risível, destinado àqueles fãs mais puristas que não ligavam para o roteiro desde que o filme tivesse cabeças rolando no chão, pescoços esguichando sangue e órgãos sendo devorados explicitamente por zumbis canibais. Turistas revive esse clima da forma mais incompetente... tentando se passar por filme sério!

Completamente horroroso no aspecto técnico e artístico, o filme empurrado para o Brasil através de muitas polêmicas e críticas, consegue ao menos aquilo que se destinaram a fazer: alfinetar de maneira patética e humilhante toda a nossa imagem e cultura popular que passamos ao estrangeiro. Em menos de 3 minutos de filme, já podemos observar um ônibus inteiramente sujo e velho (provavelmente, um ônibus pirata!) com tipos de passageiros que parecem mais uma mistura de bolivianos, colombianos e guatemalos (talvez, seja essa a imagem que eles têm do brasileiro mix). Logo, mais adiante, descobrimos também que os americanos acham que aqui não se pode fotografar crianças (algo a ver com pedofilia?) mostrando um pai estupidamente raivoso que demonstra mais ignorância do que contrariedade (aliás, desconfio que a imagem lá fora, do brasileiro pobre em questão, seja mesmo de um povo selvagem e primitivo). O engraçado também é que a cachaça e a caipirinha parecem ser os únicos líquidos que nós, brasileiros, bebemos. Ou seja, além de estúpidos analfabetos que somos, também somos cachaceiros. Grande imagem!

Os diálogos então, são mais uma afronta à parte. Numa conversa entre os dois turistas americanos, um deles diz que gostaria muito de ir à Floripa (Florianópolis) porquê lá encontraria mulheres bonitas e gostosas. No que o outro complementa dizendo: "É, as brasileiras são ótimas! São mulheres divertidas, alcoolizadas e loucas por gringos excitados!", quando todos depois em uníssono, emitem uma sonora gargalhada. Em outras palavras, as brasileiras são putas. E isso, lamentavelmente, está estampado no filme inteiro sempre que aparece alguma brasileirinha. É como se toda mulher brasileira mais humilde precisasse ser golpista e transar com suas "vítimas" (entende-se por "gringos excitados") para arrancar o dinheiro dos otários desavisados. Outra frase revoltante é quando mais um desses turistas sábios e inteligentes que gostam de uma fumada na erva, se vê perdido no meio da floresta e dispara uma frase estupenda: "É melhor ter muita maconha nessa casa!", referindo-se que estaria feliz, se encontrasse na casa que estava sendo levado por um brasileirinho, uma grande quantidade de maconha. Repare que ele diz MUITA e não apenas "É melhor ter maconha nessa casa". Para bom entendedor, é como se todas as casas brasileiras tivessem maconha... mas a preocupação dele era se a quantidade seria satisfatória. Será que além de analfabetos ignorantes, cachaceiros e prostitutas, também seria da nossa natureza sermos todos viciados? Linda imagem. Outras frases igualmente ofensivas são ditas durante todo o filme, como "Por que tudo demora tanto nessa merda de lugar?" (notando-se que eles estão no meio de uma estrada de terra cercados por matos e achando que ali, provavelmente, deve circular algum ônibus num fluxo gigantesco de carros e pedestres!). No entanto, infelizmente, tenho que concordar com algumas observações dos diplomáticos turistas. "Sabe por que eu quis vir para o Brasil? Porquê gosto de mulher, de festa e de beber! E para atrair os turistas, eles dizem "venha para o Brasil!", um dos turistas explica isso. E com certeza, talvez essa propaganda que nossas agências de turismo faz lá fora, tenha seduzido não só esse americanozinho, mas metade dos estrangeiros que vêm em nosso país como se estivessem indo a um Bordel nacionalizado, graças à essa imagem que as agências projetaram. Em outro determinado momento, um dos rapazes pergunta a amiga: "Procurar os policiais? Mas eles não são piores que os bandidos?", no que ela calmamente responde: "Nem todos". É, admito que a violência promovida por alguns policiais brasileiros que se tornaram manchetes internacionais e veiculados de forma massiça nos jornais de todo o mundo, como foram os casos das chacinas em comunidades carentes, assuste bastante países que possuem seus guardas apenas munidos com cacetetes. Mas perguntar se nossos policiais são piores que bandidos, chega a ser um deboche sem tamanho! Outra "engraçada" é quando um dos americanozinhos curiosamente pergunta ao nosso guia tupiniquim: "Que estrada leva até essa casa?", e o brasileiro responde: "Nenhuma!". E o americano ainda confuso se indaga: "Nenhuma? Mas qual casa não fica em estrada?". Uma pergunta aparentemente inocente para alguém que, talvez, não conheça de perto nossas favelas nos altos morros! Mas certamente, a cena que destaco dentre todas essas pérolas proferidas pelos sensatos turistas, é uma bastante simbólica, na qual um deles está apertado para urinar e sai da trilha que percorriam. O outro colega pergunta aonde ele está indo. E ele responde tranquilamente: "Ao banheiro masculino!", e logo o vemos mijar cantarolante em nossas plantas.(Seria essa uma mensagem subliminar de como os americanos tratam a nossa terra?).

Bom, se já não bastasse todas essas menções horrorosas à nossa dignidade e moral retratada nesse sofrível roteiro(?), somos testemunhas de um filme que tropeça em todos os elementos técnicos de cinema, como uma fotografia escura e opaca, uma direção amadora que extravaza em cenas escatológicas e sanguinolentas e uma direção de arte e figurino que parece colocar todos os brasileiros coadjuvantes como miseráveis. Bom, quando não eram pobres famintos, eram piranhas golpistas ou traficantes mercenários. E a trilha sonora então? Com toda a certeza desse mundo, Marcelo D2 deve ter tido uns royalties bem gordos para deixar que utilizassem a maioria de suas músicas. Aliás, funk e rap, também parece ser o nosso som oficial, já que os tais turistas adoram! Uma delas inclusive, relata que a "letra" de um desses terríveis funks é bem safada. Uma triste realidade, enfim.

Com um elenco inteiramente limitado, "Turistas" se disfarça de filme e tenta contar uma história absurda onde um "vilão" cartunesco com pinta de europeu, extrai órgãos de estrangeiros para vender no mercado negro. Aliás, muitos desses órgãos retirados à força dos corpos de suas vítimas, são enviados para os Hospitais Públicos do Rio(!). Frase dita e explicada pelo próprio vilão. Bom, depois dessa, vamos logo admitir: somos um povo sem escrúpulos.

E as cenas, então? De uma decadência total: matar um cara com um espetinho de queijo frito, grampear a cabeça de um indivíduo para fechar um ferimento e mostrar explicitamente os órgãos de uma personagem, é o maior atestado de que não tem COMO levarmos esse filme a sério! Confesso ainda que quando vi uma senhora oferecendo um prato de comida para um dos sobreviventes, em frente ao seu casebre com galinhas e porcos caminhando ao redor, repentinamente, me vi no meio do Camboja... mas não, ali era o Brasil mesmo!

Sem nada a oferecer de bom, assumo em dizer com clareza de que Turistas seja, em toda a História do Cinema, o filme que mais aliena, denigre e contextualiza de forma deprimente e ofensiva, a população inteira de uma Nação. Claro que somos conhecedores de nossas próprias falhas e erros sociais. Sabemos sim, que o Brasil é um país em constante aprendizado e que, se não fosse por um Governo ainda danoso e corruptível que temos, e um Sistema defasado que possuímos com leis atrasadas e inúteis, poderíamos nos igualar a qualquer país dito do Primeiro Mundo. Temos natureza para isso e uma força popular muito forte e abrangente. Mas que, claro, manipulado e iludido pelas Grandes Nações como os próprios Estados Unidos nos faz, somos deparados com nossa realidade defeituosa e negativa que o filme transforma como algo pop e sensacional. Talvez essa transformação sim, seja o erro mais FATAL de Turistas. Afinal, não se faz deboche e piada sobre uma pessoa deficiente... e sim, tentamos ajudá-la. Turistas não só NÃO AJUDA, como MALTRATA.

Intimamente e patrioticamente, o pior filme que já assisti!

* NOTA 0

PS: A mocinha do filme em determinada cena diz que adorou passar 3 meses na Favela da Rocinha. Estou querendo entender até agora, o que ela adorou lá???

PEQUENA MISS SUNCHINE - Uma pequena Obra Prima

2007-07-03T16:11:00.006-03:00

Hoje em dia, o mercado cinematográfico se divide praticamente em duas esferas: (1) das milionárias superproduções que geralmente faturam horrores nas bilheterias e que dão mais ênfase à parte técnica de um filme, e (2) das discretas produções que dão um enfoque maior no roteiro e no desenvolvimento de seus personagens e narrativa... esses últimos, apesar de não se transformarem em arrasa-quarteirões, possuem muito mais chance de serem verdadeiras obras primas. É o caso de Pequena Miss Sunshine!

A história segue o lúdico sonho da graciosa menina Olive (a carismática Abigail Breslin, mostrando que simplicidade pode também ser um grande talento para a interpretação), que pensa em ganhar o concurso da "Pequena Miss Sunshine" disputada entre tantas outras meninas de diversas regiões dos EUA. Talvez, o único e maior problema da doce Olive ganhar esse concurso seja sua própria família, composta por membros parcialmente esquisitos! Sheryl (interpretada pela excepcional Toni Collette, a mãe de Haley Joel Osment em O Sexto Sentido), é também aqui a mãe da pequena Olive; uma mulher aparentemente equilibrada, mas que é sufocada em muitas vezes por seu casamento, ou melhor, por seu marido Richard e acaba tendo suas crises de histerismo. Greg Kinnear (o bichinha educado que morava ao lado de Jack Nicholson em "Melhor é Impossível") é Richard, um homem metódico e sistemático que vive sob regras e normas da "boa imagem perante a sociedade". É o típico americano que pensa em sucesso, quer viver o sucesso e respirar o sucesso, sendo que ele mesmo é um poço de imperfeições. Seu lema é "No mundo, só existem dois tipos de gente: os vencedores e os perdedores"... creio que Richard esteja na segunda definição e não sabe disso. Dwayne (o novato Paul Dano) é o irmão de Olive, um adolescente rebelde e conturbado que preferiu se isolar de sua própria família não se comunicando durante 9 meses. Quer ser piloto militar e vive uma fase inteiramente revoltada com tudo e todos. O jovenzinho praticamente odeia todas as pessoas... ou pelo menos, diz que odeia. Tio Frank (o ótimo Steve Carell, o famoso "Virgem de 40 Anos") é um homossexual que já tentara suicídio, mas que agora tenta pôr sua vida em ordem após sofrer uma amarga desilusão amorosa. Bondoso e pacífico, ele só quer viver em paz com todo mundo. Chegamos, enfim, no avô doidão da pequena Olive que se tornou um viciado em heroína e um leitor assíduo de revistas pornográficas. O vovô interpretado pelo veterano Alan Arkin (vencedor do óscar de melhor coadjuvante por esse papel), é um homem que tenta aproveitar os exageros da vida já que acha que perdeu muito tempo sendo "careta". Portanto, dentro desse núcleo familiar repleto de personagens problemáticos, a menina Olive seja concretamente a pessoa mais sensata da família. E é aí, que nossa admiração e carinho pela personagem aumenta ainda mais!

O roteiro explora cada personagem com perfeição, dando espaço para todos atuarem de forma plena e convicta de que conseguirá demonstrar as qualidades e os defeitos de suas personalidades. Há diálogos sensacionais que provam o quanto de sutileza e sinceridade há em cada membro dessa louca família. É como se conseguíssemos desmascarar um pouco mais de seus perfis apenas percebendo cada frase e palavra que estão sendo ditas. Lembrando que mesmo enfocando o drama de uma família, o roteiro do filme, acentua muito bem os pontos divertidos e engraçados de cada um deles (a cena da fuga com um corpo pela janela de um Hospital demonstra um trabalho em equipe maravilhoso dentro dessa questão cômica, rs). O filme carrega o toque de humor com sutileza... nada é escancarado pra se gargalhar!

Muito bem dirigido pelo não tão conhecido Jonathan Dayton, "Pequena Miss Sunshine" é um notório exercício onde mostra que um diretor não precisa ser extravagante para transformar o filme em algo mirabolante, pois a mirabolância desse projeto reside justamente na naturalidade com que cada cena e sequência foi feita: as da corridinha pra pegar a Kombi que não pode parar e toda a sequência da dança final, são os brilhantes elementos que comprovam isso!

A história é cativante, o filme é completamente humano e seu elenco (escolhido com perfeição!) faz com que cada um de nós, no fim de tudo, reflita sobre o que a sociedade nos impõe no que diz respeito ao que é certo e ao que é errado. Será mesmo que ser perfeito é perfeito? Ou se identificarmos nossas diferenças e as dos outros e soubermos respeitar e compreender isso, podemos um dia, tornarmos seres humanos melhores? Concordo com o Richard quando diz que na vida, há vencedores e perdedores... mas há aqueles perdedores que talvez nos ensine muito mais do que alguns vencedores.

* NOTA 9

PS: A Kombi da família, é um personagem à parte.

O SACRIFÍCIO - Medíocre em todos os elementos

2007-06-19T20:52:00.004-03:00

Acredito que a maioria de nós pode achar perturbador ou, no mínimo estranho, uma sociedade e/ou comunidade que viva sob crenças e comportamentos completamente diferentes ao que fomos criados. Sendo assim, o filme O Sacrifício carrega essa idéia colocando-a como base central de toda a sua narrativa. E, claro, nos parece ser sedutor acompanhar os tantos conflitos que o protagonista de nossa sociedade "normal" terá que enfrentar diante do desconhecido.

Usando o desaparecimento de uma menina como premissa, o filme funciona perfeitamente em seus rápidos 20 minutos iniciais. Ainda mais, tendo o bom Nicolas Cage como protagonista e utilizando de forma eficiente os vários elementos de suspense e mistério que nos soam como naturais dentro da história. A coisa toda ainda parece ganhar "corpo" quando conhecemos a tal comunidade que pede ajuda ao personagem de Cage e como tudo ali funciona e onde se localiza. Até aí, admito, o filme é ótimo! O problema começa quando começamos a enxergar clichês jogados sem a menor coerência dentro da trama e um drama que o roteiro nos empurra a força e que parece beirar o ridículo apresentado como o objetivo da tal comunidade. Aliás, confesso que assistir uma cena onde um homem fantasiado de urso corre com uma menina ao lado para escapar de inimigos fantasiados de patos e coelhos, é evidentemente patética. Colocado num filme de suspense com uma estrutura séria, isso fica ainda mais boçal. Mas O Sacrifício perde toda sua seriedade quando percebemos enfim, que também estamos andando em círculos no roteiro, assim como o personagem de Cage.

Com uma premissa (entende-se como sinopse) que nos chama a atenção, e um elenco escolhido com cuidado, o filme despenca para o abismo quando vemos que a mensagem final foi passada através de um roteiro completo de diálogos fúteis e cenas e sequências que não preenchem absolutamente nada. É triste somente ver o sempre competente Nicolas Cage participar de projetos tão imbecis como esse.

Pra mim, ver esse filme, é que foi um verdadeiro Sacrifício!

* NOTA 3

PS: Fiquei com pena do jovem ator James Franco... que surge somente no último minuto do filme.

UM LUGAR PARA RECOMEÇAR - Draminha água com açúcar que ainda dá pra beber

2007-06-05T21:29:00.011-03:00

Sempre tive uma visão "pomposa" de Robert Redford. O veterano ator sempre me passou um ar de requinte em quase todos os filmes em que trabalhou. Isso não soa negativo, somente quero dizer que, para mim, o ator raramente se desfez de seu porte superior. Mesmo tendo o visto pela primeira vez no clássico faroeste "Butch Cassidy", ele só me marcou profundamente com sua pose no imoral "Proposta Indecente", onde interpretou um poderoso empresário arrogante e esnobe. De lá pra cá, foi difícil ele me convencer de que pudesse interpretar um tipo rude, simplório e bem caipirão mesmo. Bom, em "Um Lugar para Recomeçar" ele conseguiu.

Já não posso falar a mesma coisa de Jennifer Lopez. A latina nunca me convenceu de sua força de interpretação. Talvez, seja pelos tipos de papéis que sempre deram à ela (sexuais ou bobinhas demais), Lopez ainda é um pouquinho limitada. Não que seja péssima, mas não é completa. Digamos que, como atriz, ela é uma ótima cantora! E nesse filme, sua personagem continua presa àqueles velhos (e maus!) hábitos de querer demonstrar que é uma fêmea independente e forte, quando na verdade, ainda tem o espírito submissa e comete alguns atos impulsivos, como transar logo com um cara porquê sabe que não terá tanto tempo para conhecê-lo melhor (algo que chega a ser bem mais questionável por sabermos que sua personagem tem uma filha!).

Tirando as moralidades de lado, acredito que "Um Lugar para Recomeçar" tem elementos redondinhos para um bom drama. E sustentado pela boa performance de Redford e do sempre ótimo Morgan Freeman, o filme funciona em sua principal proposta: nos fazer refletir sobre básicas questões humanas. Afinal, será que é compreensível culparmos outras pessoas por nossas vidas não funcionar do jeito que queremos, ou será que somos nós mesmos os verdadeiros culpados? Essa pergunta é respondida sutilmente durante todo o filme.

E o resultado final... com certeza me agradou!

Spoilers ------ (não leiam esse parágrafo abaixo se não quiserem saber pequenos detalhes sobre a história).

O ameaçador urso que faz parte da trama desde o início, ficou estampado para mim, como uma grande metáfora. O animal representava o medo e a insegurança de cada um de nós, ou melhor, de cada um dos personagens. Nota-se que ele precisou ser encarado pelos que mais possuíam receios de seus destinos, dentro da história: Eilar (Redford) precisou enfrentá-lo quando o tirou da pequena jaula no Zôológico, a pequena Griff (neta de Eilar) também precisou enfrentar a criatura quando viu seu avô caído no chão, e até mesmo Mitch (Freeman) que havia sido atacado anteriormente pelo mesmo urso, teve que desafiá-lo, numa nítida simbologia de que às vezes temos que encarar de frente nossos medos e vencê-lo. O urso na verdade não era mau. Como Mitch revelou em determinado momento do filme, o animal só respondia à sua natureza e não era culpado pelos resultados desastrosos que o Homem fazia ao lidar com ele. Eilar não superava a morte do filho e culpava a nora por isso, Mitch começara a se entediar e se achar inútil ficar dependendo dos outros para se recuperar do ataque feroz que sofreu e a pequena Griff também se mantinha insegura quanto ao próprio futuro ao lado da mãe e da perseguição do padrasto. Para os três, o urso era a salvação.

Fim dos Spoilers -------

* NOTA 5,5

PS: A menina Griff, que faz a neta de Redford, é uma excelente e promissora atriz.

O AMOR NÃO TIRA FÉRIAS - Simpático e espirituoso

2007-06-04T21:47:00.003-03:00

Quando terminei de assistir ao filme "O Amor Não Tira Férias", a certeza que tive é que seria meio complicado de escrever minuciosamente sobre um romance que não me seduzia em nada de princípio e que, de repente, conseguiu me envolver de maneira bem caretinha.

Com duas histórias paralelas que se entrelaçam apenas no final, o filme se apóia completamente em seu simpático elenco e na forma leve e solta com que a diretora Nancy Myers (a mesma do alegre "Do Que As Mulheres Gostam") conduz a trama. Confesso que nos primeiros minutos do filme, eu acreditei piamente que se tratava de mais uma obra cinematográfica inteiramente voltada para as mulheres. No meu íntimo machista, eu estava acompanhando uma Kate Winslet chorosa e deprimida e uma Cameron Diaz impulsiva e histérica (pra variar!), em um enredo que trataria dos velhos problemas de relacionamento e que teria como alvo os homens interpretados pelo bom Jude Law e pelo divertido Jack Black. Bom, eu estava um pouco enganado!

O filme fala realmente de problemas de relacionamento, frustrações femininas e tem como protagonistas duas boas atrizes. Mas na minha opinião, não foi em nenhum momento "maldoso" com o universo masculino e nem tão sistemático com o universo feminino. E, mesmo que eu me simpatize mais por Kate Winslet, admito que no filme, Cameron Diaz fez uma personagem muito mais simpática e cativante. Não que a personagem de Winslet não fosse, mas me tocou de forma mais sincera o relacionamento de Diaz com o ótimo Jude Law, que aqui, faz um personagem totalmente diferente do que ele está acostumado; em vez de galanteador e safado, seu personagem é um poço de sentimentalismo e um viúvo que parece sair de um conto de fadas que toda mulher gostaria de ler. É gostoso de ver as cenas onde o casal contracena com duas menininhas!

Por outro lado, a consistência no envolvimento entre Kate Winslet e Jack Black demora a funcionar. Talvez, pelo fato da diretora Myers ter acrescentado o míni-drama relacionado ao velhinho roteirista de Hollywood, na história de Kate. Nada que estragasse o desenvolvimento de sua personagem, mas atrasou mais a fluidez de sua narrativa junto à de Jack Black. O que não ocorreu com o casal Cameron e Law. Mas ao todo, o resultado final do filme, foi muito mais do que um alívio para mim... já que o iniciei com aquela espectativa bem baixa. Ou bem machista.

Simples, bonitinho e com sequências interessantes (destaco o momento em que Cameron volta para o lar em que estava morando e encontra Law chorando copiosamente, e a parte que Black cantarola para Winslet as trilhas musicais de vários clássicos do cinema dentro de uma locadora), "O Amor Não Tira Férias" pode ser sim um filme mais voltado para as mulheres, mas que certamente, não desagradaria um espirituoso espectador disposto a encarar duas maluquinhas românticas.

* NOTA 6,5

PS: Adorei a rápida participação de Dustin Hoffman na cena da locadora!

REI ARTHUR - Grandiosas batalhas em história rápida

2007-06-03T19:15:00.005-03:00

Quando me preparo para ver um filme épico baseado em estudos e relatos históricos, no mínimo eu espero que a trama se encarregue de explicar, por menos detalhada que seja, os elementos que a História sempre deixou registrada em livros. "Rei Arthur"" apenas mostra esses elementos sem explicá-los.

O filme é bom. Os atores, melhores ainda. Mas o que esperamos de explicação e menção do roteiro à grande história de Arthur e os Cavaleiros da Távola Redonda (aqui, conhecidos como os cavaleiros Sermários) são pinceladas rápidas e nunca explicativas. Por exemplo: TODOS que conhecem por baixo a história de Rei Arthur, sabe de sua profunda ligação com Excalibur, a mítica espada que muitos acreditavam transmitir poder a quem a empunhasse. No filme, ela é completamente descartada sendo reduzida a uma única tomada de "apresentação". E o que houve com o triângulo amoroso existente entre Arthur, a bela guerreira Guinevere e o espadachim Lancelot? No filme, isso fica apenas subposto. Enfim, é a típica superprodução que valoriza as batalhas, os duelos, as guerras sem querer ser fiel (ou, ao menos, chegar perto!) dos contos históricos.

Mas admito que "Rei Arthur" se encosta de maneira excelente em suas grandiosas cenas de ação para salvar seu roteiro mediano. Excluindo alguns exagerados à parte (como a flechada que acerta alguém escondido entre as árvores!), o filme consegue empolgar e motivar quem acompanha a caminhada de Arthur (ainda não-Rei) e seus cavaleiros para resgatar uma família romana. Eu poderia dispensar comentários sobre o ator Clive Owen - na minha opinião, um dos melhores atores atualmente - que, consegue mesclar, em sua atuação, o seu semblante duro e rústico (como de um verdadeiro guerreiro imponente) e seu olhar calmo e confiável, compondo assim um Arthur valente, destemido e ainda assim, ponderado. Outro que me despertou surpresa foi o ator Ioan Gruffudd (não lembrando em nada a interpretação contida e simplória de seu Reed Richards no inofensivo "Quarteto Fantástico"), incorporando um obstinado Lancelot que se preocupa com as ações de seu grupo e de seu amigo. Cabe a despeitada Keira Knightley (entende-se "despeitada" como sem peitos mesmo!!!) fazer de Guinevere uma guerreira agressiva e flecheira!

Longe de ser ruim, "Rei Arthur" é um filme que nos prende, nos empolga em vários momentos e nos faz realmente torcer por seu personagem principal, caído como uma luva no soberbo Clive. As cenas de batalha dispensam elogios (o confronto sobre um terreno de gelo é espetacular!), e ao meu ver, comparando-as com outros filmes de mesmo gênero, "Rei Arthur" supera de longe qualquer sequência do insosso "Tróia" e do arrastado "Cruzada".

* NOTA 7

PS: Admiro muito a personalidade e os bravos feitos que os livros contam sobre o herói Arthur... mas ainda tenho Willian Wallace (de "Coração Valente"), como o mais completo guerreiro histórico.

MINHA VIDA NA OUTRA VIDA - Puramente tocante

2007-06-03T14:55:00.003-03:00

Sempre acreditei que a emoção de um filme não vem pela sua superprodução ou pela qualidade técnica e artística em que é feito. Esses elementos só ajudam, porquê a verdadeira emoção de um filme sempre virá pela sua história e pela maneira como ela é contada. "Minha Vida na Outra Vida" foi simplesmente desenvolvido como um Teleplay (filme feito diretamente para a TV) e, sem apelar para nenhum glamour cinematográfico, esbanja emoção do jeito mais puro que existe.

A história conta sobre uma arquiteta (Jane Seymour, em pleníssima forma!) que cresceu tendo visões de uma vida passada e que em um momento atual, começa a desconfiar ser a reencarnação de uma mulher já falecida. Ela começa cada vez mais ter nítidas e claras comprovações de que seus flasbacks não são apenas sonhos, e que precisa descobrir mais sobre o paradeiro e a história de suas memórias passadas. Mas para isso, ela não só terá que viajar até o local de suas visões, como terá que convencer sua própria família a ajudá-la.

Escrito de maneira singela e delicada, e tendo como base a temática da reencarnação, o filme em nenhum momento debate de forma pragmática e incisiva qualquer questão de religiosidade e espiritismo. "Minha Vida na Outra Vida" não coloca discussões religiosas e nem formas de abordar algum tipo de segmento filosófico em seu roteiro. A pretensão de sua história não é explorar o tema e nem nos dizer se isso é A verdade ou não. A reencarnação é apenas uma crença. E só. Isso fica claro quando um personagem na trama que é Padre, diz o que acha sobre o assunto expondo um outro tipo de interpretação.

Com elementos de pura ternura e tendo a emoção como engrenagem principal de sua narrativa, o filme consegue ganhar todos os pontos em investir de maneira leve em um tema ainda tão polêmico. E sem pretensão alguma, consegue ser puramente tocante! Jane Seymour atua de maneira sempre carismática e a presença de um certo velhinho, ao final do filme, é o que faltava para fechar com chave de ouro essa pura, simples e bela obra!

Ah, já ia esquecendo: a lírica música do filme é linda e dá um clima ainda mais emocionante à grandiosa história.

* NOTA 8

PS: Se a maioria dos filmes desenvolvidos para a TV, tivessem roteiros tão bons como esse, muita gente não sairia de casa.

PREMONIÇÕES - Longe do suspense, perto do drama

2007-06-02T17:16:00.003-03:00

Quem for se preparar para assistir ao filme "Premonições" com aquela expectativa de ver um bom suspense, poderá quebrar a cara. Não que o filme não tenha suspense, mas esse certamente não é seu elemento principal.

A sempre ótima Sandra Bullock interpreta Linda Hanson, uma pacata dona de casa que além de cuidar de suas duas pequenas filhas, ainda tem que resistir aos duros percalços de uma crise no casamento. Só que logo, Linda perceberá que não é pela relação que ela terá que lutar, mas sim pela vida de seu próprio marido! Essa premissa, de cara, nos seduz. Só que o desdobramento desse enredo aos poucos começa a ficar enfadonho e as pequenas doses de suspense (quase nada!) começam a sumir, dando lugar a momentos de drama. A essa altura, o filme já demonstra que caminha para o gênero do romance trágico e da heroína que precisa montar um superficial "quebra-cabeça" para reajustar as coisas. Nada tão original.

As intrigas e as perguntas que o roteiro nos oferece são eficientes, a ponto de nos deixar envolvidos. Mas é uma pena que a resolução dessas mesmas perguntas não são eficazes. Vocês verão que muitas questões realmente ficaram no ar sem nenhuma resposta. Uma pena, pois se bem respondidas iriam dar um fôlego a mais para a trama.

Com um grande elenco, um argumento inicial muito bem elaborado e o famoso clima de "final surpresa" que paira sobre todo o filme, "Premonições" decepciona um pouco por justamente não responder de forma adequada às perguntas deixadas em todo o seu desenvolvimento. Para pessoas que gostam de romances dramáticos e trágicos, poderão gostar do filme ou achar, no mínimo, uma obra bem simpática. Para pessoas que assim como eu, esperava algo mais em torno do mote principal da história, o acharão no máximo, razoável.

Não recomendo para aqueles que estão atrás de algo na linha do terror teen "Premonição".

* NOTA 4,5

PS: Eu estou realmente com saudades da Bullock em filmes mais movimentados!!!

A DAMA NA ÁGUA - Uma história infantil sem nenhuma empolgação

2007-06-01T16:09:00.007-03:00

Bobinho. Essa foi a única palavra que veio à minha cabeça quando terminei de assistir "A Dama na Água".

"Um solitário zelador começa a ver uma enigmática figura feminina aparecer na piscina de seu hotel, e logo, descobre estar rodeado de estranhos seres mitológicos". É quase inacreditável saber que M. Night Shyamalan, o mesmo diretor de "O Sexto Sentido" (um filme que simplesmente eu adoro e considero uma obra-prima!), escreveu, produziu e dirigiu esse fraco "A Dama na Água". Uns dizem que o filme é ruim, horrível e chato. Bom, concordo que chato ele é. Não que seja necessariamente um filme ruim... ele tem seu enredo bem esclarecido desde os primeiros minutos do filme, mas acontece que todo o desenvolvimento da história nos faz acreditar que estamos vendo um conto de fábulas infantil sem nunca parecer algo sério.

O roteiro medíocre abusa de diálogos que nos bombardeia de frases que parece nos dizer algo, quando na verdade não quer dizer nada. Afinal, o que representa o personagem escritor do filme (interpretado pelo próprio M Night Shyamalan)??? Será que o diretor dessa vez quis atuar como um personagem que lembrasse seu próprio alter-ego? Pois fica fácil acreditar nessa hipótese já que seu personagem em determinado momento dispara a frase: "Eu pensei ser alguém especial... mas nunca fui". Isso fica mesmo evidente quando ouvimos essa frase já na meia hora final do filme, e ainda temos a sensação que não aconteceu nada de importante.

Os personagens, inclusive, parecem ter saído de algum circo ou show de aberrações. Aliás, o próprio Hotel parece ser um manicômio por hospedar tantos moradores bizarros: há uma japonesa (ou chinesa, sei lá!) que não fala inglês e por isso usa a filha espivitada como intérprete, há o homem que não sai de frente da televisão e só assiste programas trágicos e de guerra, há um grupo de maconheiros que só falam banalidades e um rapaz que, chegou ao cúmulo de malhar metade do corpo resultando em algo esquisitíssimo, como ter um dos braços musculoso e outro não! Seria comédia se eu não soubesse que estava vendo um filme de "suspense". Talvez, o gaguinho zelador que carrega um drama em sua vida (interpretado pelo competente Paul Giamatti) e a figura marinha (interpretada pela eficiente Bryce Dallas Howard) sejam os únicos personagens que ainda conseguem nos "convencer" de não parar o filme na metade. Esqueça "os vilões" ou "a ameaça" do filme, pois são ridículos.

Fraco, bobo e completamente infantil - na pior designação do termo - "A Dama na Água" nos apresenta uma história desnecessária e entediante. Arrisco até dizer que se essa produção fosse feita em animação (ou seja, concebida como um desenho animado!), talvez funcionasse melhor... já que é essencialmente pueril.

* NOTA 2

PS: Começo a acreditar que M. Night Shyamalan perdeu o talento de escrever boas histórias!

LETRA E MÚSICA - Uma comédia romântica com gostinho de nostalgia!

2007-04-03T17:13:00.003-03:00

Desde o engraçado Afinado no Amor (Com Adam Sandler e também Drew Barrymore), que eu não assistia há um bom tempo comédias românticas ou até mesmo filmes de outros gêneros que abordassem a temática da década de 80. Não só os costumes, os jeitos sociais e o modismo colorido da época... mas sim, o que ela tinha de mais contagiante: a musicalidade!

Hugh Grant (em um de seus melhores papéis) é Alex Fletcher, um dos vocalistas da extinta banda de rock chamada "Pop!", uma clara referência a tantas bandinhas de rock-pop que nasceram na década de 80. Acontece que hoje, Alex é um roqueiro em distinta decadência, que sobrevive fazendo shows em parques, quemerces e eventos para fãs nostálgicos, sempre cantando seus antigos hits. Qualquer semelhança com cantores de bandas também extintas daquela época, não é mera coincidência! (Inclusive, o personagem de Grant chega a mencionar REO Speedwagon e Debbie Gibson, uma bandaça e uma ótima cantora, respectivamente, que colecionavam sucessos oitentistas!). Mas o que muda em sua vida, é a oportunidade que ele recebe de compôr uma boa música para Cora Corman, uma diva pop que está estourando nas paradas, e que é uma fã confessa da antiga banda de Fletcher. O que é a chance de ouro para o roqueiro ascender de volta à mídia, é também o seu maior desafio: Alex Fletcher não compõe! Ou melhor, ele sempre foi um grande compositor de melodias mas escrever letras nunca foi o seu forte.

É então que surge Sophie Fisher (Drew Barrymore, demonstrando que é a nova Meg Ryan das comédias românticas atuais!), uma desajeitada jardineira responsável por "cuidar" das plantas de Alex. Sophie também tem um drama explorado aos pouquinhos no desenvolvimento do filme, em relação ao seu passado com um professor de literatura, mas embora esse draminha seja logo descartado, Barrymore consegue nos brindar com um jeito simples e divertido de uma moça simplesmente simples e divertida. E a graça do filme é justamente o envolvimento casual de Sophie e Alex, que logo se torna uma missão para ambos: compor com perfeição uma música com cara de sucesso para a estrelinha do momento Cora Corman.

E por falar em Corman (feita pela novata Haley Benett), a personagem é uma piada à parte; desfilando suas curvas sempre insinuantes, a musa pop bombardeia seus admiradores com letras fúteis e coreografias provocantes. É na verdade, uma escancarada sátira às Britneys Spears do show-business. A jovem atriz também merece elogios, já que consegue passar arrogância e prepotência sem nunca se tornar "a vilã" do filme. No final, percebemos isso claramente!

Está sempre óbvio, afinal, de que o grande vilão de "Letra e Música" é o mercado musical de hoje, que parece cada vez mais descartar artistas com talento, para transformar canções inspiradas e bonitas em hits vazios de grande apelo comercial e/ou sexual. "São as vendas de discos que interessam e não os sentimentos!". Diz em determinado momento Alex para Sophie. Uma triste realidade.

Bem dirigido e com um elenco afiado - destaco a espivitada irmã de Sophie, Rhonda Fisher, (feita pela competente Kristen Johnston) que em alguns momentos, consegue roubar claramente a cena -, o filme jamais se torna cansativo ou meloso (um risco sempre aparente em comédias românticas!), tornando qualquer sequência-clichê ingenuamente engraçada. É divertido e bem envolvente. E também não tem como eu dizer que "Letra e Música" é mais uma comédia romântica para mulheres. O filme agrada a todos os sexos e, acima de tudo, é uma grande homenagem às bandas oitentistas que por alguma razão - ou sem razão alguma! - sumiram do cenário musical.

* NOTA 7

PS: Impossível de não ouvir a música "Pop! Goes My Heart" e não ficar com o refrão na cabeça.

OS INFILTRADOS - O melhor e o mais inusitado filme de 2006

2007-02-26T03:57:00.003-03:00

Acabo de assistir à cerimônia de entrega do óscar e, para minha surpresa, a obra cinematográfica eleita como melhor filme de 2006 foi Os Infiltrados, de Martin Scorsese. Digo para minha surpresa não pelo fato do filme não ser bom, mas sim, por ser um tipo de filme que foge completamente às regras dos finais de filmes policiais hollywoodianos.

Baseado no filme chinês Mou Gaan Dou(de 2002), de Wai Keung Lau e Siu Fai Mak, "Os Infiltrados" conta a história de uma trama que se divide entre um policial infiltrado num grupo mafioso (Leonardo DiCaprio) e de um bandido criado pela máfia (Matt Damon) infiltrado na força policial. Essa sinopse à primeira vista - ou à primeira lida! - pode ser considerada até simplória, mas o desenvolvimento da narrativa e o bem elaborado roteiro (também premiado como Melhor Roteiro Adaptado) transforma o filme numa caçada de Gato e Rato muito bem enganchada.

Leonardo DiCaprio e Matt Damon (para alegria das menininhas!) estão juntos disputando forças em lados opostos, e com muito talento. Enquanto vemos DiCaprio compondo um personagem muito mais psicológico e emocional, explodindo algumas vezes em sentimentos e tensão, observamos o seu perfeito contra-ponto que é Damon, fazendo um sujeito muito mais frio, calculista e metódico. E posso afirmar com total segurança de que esse dois "jovens" atores são perfeitos para os papéis. Não precisam nem duelar fisicamente... mas um embate verbal ou apenas uma rápida troca de olhares entre os dois personagens, já demonstra o quanto de vigor e força os dois atores possuem. E falando de vigor e força, Jack Nicholson é o cara que parece ter esses dois elementos em abundância! O velho Jack faz de seu personagem um indivíduo que ao mesmo tempo assusta e provoca risos (a cena onde ele espera dentro do cinema o personagem de Matt Damon aparecer para pregar-lhe um susto, já é antológica!). E também é espantoso perceber que o veterano ator "brinca" como se tivesse recebido um papel fácil. E seu personagem não é nada fácil: líder de uma organização mafiosa e dono de uma extensa rede de influências, seu personagem é o responsável de fazer a "ponte" entre DiCaprio e Damon, além de conseguir ainda oferecer uma atuação que oscila entre a seriedade e o escracho. Mas na interpretação de Jack Nicholson, isso certamente é um elogio!

Os Infiltrados passeia por nossas expectativas. Nos apresenta elementos que nos faz ficar esperançosos e de repente, nos joga pistas que desfaz todos esses nossos anseios. É um filme engenhoso, sem sombra de dúvida! E um filme policial bastante incomum. Mas não espere os velhos clichês policiais. Em "Os Infiltrados", não há nada de tiros gratuitos, explosões pirotécnicas ou outras técnicas manjadas de filmes do gênero. Ele é mais do que isso: é roteiro dos bons! O filme amarra a história de uma forma em que nossa curiosidade para saber quem se dará bem no final, permanece em alta sem precisar apelar para esses recursos que os adolescentes adoram. Afinal, não estamos falando de um filme de ação comandado por McG, e sim, por ninguém menos que Martin Scorsese (premiado também como melhor Diretor por esse filme!). E por falar em Scorsese, o coroa já merecia um óscar desde seu primeiro excepcional trabalho com Robert De Niro que chama-se Touro Indomável. E de lá pra cá, o cineasta ítalo-americano realizou verdadeiras obras-primas como Taxi Driver, Os Bons Companheiros, Cabo do Medo, Cassino... entre outros. É lamentável que Scorsese tenha sido ignorado pela Academia todo esse tempo, já que o cara é uma verdadeira aula de cinema! Veja alguns de seus filmes mais marcantes e saberá do que estou falando. E agora parece que, depois de três décadas, os engravatados de Hollywood tiveram algum tipo de mea culpa, ou algum efêmero peso de consciência e premiaram Martin Scorsese como melhor diretor por Os Infiltrados. E realmente, suas técnicas e seu feeling para comandar as câmeras e brincar com a estética, continuam insuperáveis!

Mas o irônico é que, mesmo eu tendo achado o óscar de Scorsese merecido, acredito que "Os Infiltrados" não é na minha opinião, o seu melhor trabalho. Não comparado aos já citados acima! Portanto, não achei que seria ele o melhor filme. Eu gostei sim de Os Infiltrados. O achei bem elaborado, tenso e com magníficas atuações do elenco (com indicação até para o ex-New Kids On The Block Mark Wahlberg como melhor ator coadjuvante!), mas não se trata da parte técnica perfeita do diretor Scorsese que comandou tudo na mais alta qualidade, mas sim do argumento insolúvel e hostil nas conclusões que o filme oferece. Isso não o estraga, mas compromete um tanto a naturalidade que a história poderia ter passado um pouco mais. Acho que em determinados momentos as reviravoltas acontecem de maneira tão avassaladora, que deixa de ser crível para se tornar um tanto exagerado.

Por isso, em minha opinião, acredito que o óscar de melhor filme para Os Infiltrados foi um tanto inusitado. Já que não se trata de um filme completamente original... e sim de um remake! Com algumas alterações, claro, mas ainda um remake! E que, se fosse tão justo assim, a premiação deveria ser dada ao filme chinês original de 2002: esse sim, mais realista e com conclusões mais completas!

* NOTA 7

PS: Um dos personagens tem um fim tão inesperado que eu fiquei por alguns minutos querendo entender o que de fato havia acontecido.

UMA NOITE NO MUSEU - Descompromissadamente divertido

2007-02-06T22:53:00.004-02:00

Ben Stiller ficou marcado ao compor personagens sutilmente frágeis e ligeiramente perdedores - às vezes, idiotas - que sempre demonstram ao decorrer da trama, um bom caratismo e uma peculiar ingenuidade que faz com que torcemos e simpatizemos por ele. Aliás, presumo que a simpatia que extraímos por seus personagens seja algo diretamente ligado ao próprio Ben Stiller; sempre achei que o ator possui mesmo um ar inocente e uma cara piedosa que aliada à seus trejeitos tímidos e desengonçados, desepenham bem a simpatia que ele tanto exerce para o grande público. Gosto dele e realmente o acho carismático!

Mas isso não é tudo para um grande papel cômico. Assim como Robin Willians - ou até mesmo Adam Sandler -, o carisma, a simpatia e o jeito amigo que eles passam, não funciona tanto quando o roteiro não os deixa tão "soltos". Ao contrário de seus tipos anteriores, Stiller está mais reservado nesse novo filme. Eu diria até, contido. Não que isso o torne sem graça, mas certamente, o retira grande parte da força humorística que o comediante possui.

Interpretando um pai de família com problemas no relacionamento e com um filho que ele tenta impressionar, Stiller empresta seu lado mais sentimental e passivo para compor um vigia noturno que ronda um Museu onde, à noite, algo de muito estranho e diferente acontece. Seu personagem mais uma vez, transmite grande simpatia, mas não permite que o ator desempenhe sua performance histriônica. E convenhamos que, mesmo sendo exagerado e caricatural, o humor de Ben Stiller engrena nos mesmos mecanismos que os de Jim Carrey: sendo extravagante! E em "Uma Noite no Museu" não há nenhuma cena onde ele prende o órgão genital no zíper da calça, luta com um cachorrinho raivoso ou esfrega a cara acidentalmente em um peito peludo e suado de algum adversário numa partida de basquetebol. Com exceção da única cena mais escrachada (onde envolve um mico!), Stiller não funciona como ele está acostumado a funcionar, e com um elenco que leva mais outros humoristas de peso como Robin Willians fazendo o Presidente Roosevelt e Owen Wilson (seu parceiro habitual de comédias) fazendo um cowboy neurótico, parece que o ator percebe que o filme é mais do que ele, exigindo-o apenas uma atuação formal e descompromissadamente divertida.

E, certamente, o filme parece ser mais do que Stiller. Com uma premissa bacana (que me lembra momentâneamente "Jumanji", protagonizado por Robin Willians), com efeitos visuais de qualidade e com coadjuvantes interessantes, a gente já de cara percebe que as "estrelas" principais do filme serão realmente as criaturas e os bonecos de cera do Museu. E realmente são! Stiller apenas funciona como um fio condutor que liga esses mesmos personagens à trama simplória do enredo: que envolve a ganância de três vilões cartunescos, uma corrida para conseguir colocar o Museu em ordem antes que o Curador chegue e a conquista do filho, que vê Stiller como um pai ainda imaturo e despreparado.

Bonitinho, com mensagens objetivas e um elenco acima da média, "Uma Noite No Museu" funciona como uma grande e divertida Sessão da Tarde. Não decepciona em nada, mas também não nos acrescenta muita coisa. E o personagem de Stiller, com certeza, poderia ter sido bem mais engraçado!

* NOTA 6,5

PS: Se todos os macaquinhos fossem como os do filme, não haveria dúvidas de que teríamos um extermínio da espécie pelo mundo.

O Post de Estréia do Autor

2007-02-05T21:35:00.001-02:00

Acabo de realizar um pequeno sonho: ter um blog de cinema! É, muitos sonham em ganhar na Mega-Sena acumulada, sonham com mansões em lugares paradisíacos, com carros importados, viagens para o exterior, enfim... sonhos materiais que devem encher egos materialistas. Mas posso dizer que sou humilde. Sempre sonhei - ou desejei muito - ter um modesto e eficiente blog de cinema.

Nasci com uma veia cinéfila muito forte. Desde pequeno, acompanhado por minha mãe, ia aos cinemas ver quase todos os filmes dos Trapalhões. Confesso que meu gosto pela Sétima Arte começou com eles! Afinal, na década de 80, Didi, Dedé, Mussum e Zacarias reinavam em absoluto nas telas tupiniquins para as crianças. A Disney também me ajudou: "A Dama e o Vagabundo", "Alladim", "A Bela e a Fera", "O Rei Leão" me influenciaram bastante. E eu fui me familiarizando cada vez mais com o escurinho do cinema, com o cheiro de pipoca e com aquelas antigas poltronas envernizadas desde os meus 6 anos de idade.

Não demorou muito para que minha mãe começasse a me levar para assistir aos filmes legendados! Aliás, devo dizer que minha mãe foi uma grande incentivadora à minha paixão pelo cinema, por tentar ir comigo sempre nas primeiras sessões de filmes com classificação mais alta, pois a bilheteria não barrava muito a entrada de crianças de 10 a 13 anos (que era o meu caso!) quando iam acompanhados pelos pais. Na verdade, ela diz que fui EU quem insistiu para que ela me levasse em alguma comédia americana COM legendas. Alguns filmes, como ainda eram infantis, vinham dublados, mas admito que nunca fiz cara feia para as legendas. Mesmo não conseguindo ler tão rápido, eu queria assistir aos filmes americanos porquê sabia que era lá que estava centrada a grande variedade do cinema. Ação, Aventura, Terror, Comédia, Suspense, não importava o estilo, eu tinha que começar a ver os filmes americanos!!!

E descobri paixões arrebatadores ainda quando criança: vi "ET - O Extraterrestre" (do Mestre Steven Spielberg) e me emocionei pela primeira vez dentro da sala de projeção. Assisti "Os Goonies" e quis fazer parte do grupo do Mikey e correr com eles de bicicleta embalados pela canção "Goonies 'R' Good Enough" da Cindy Lauper, sem nem mesmo saber quem era ela naquele tempo! Curti demais "Milagre na Rua 34" e quase voltei a acreditar em Papai Noel, vi nascer um dos melhores heróis de aventura que se chama Júnior mas gosta de usar o nome de seu cão, tremi de medo com "A Volta dos Mortos Vivos" saindo de suas tumbas ao som de "Thriller", viajei no tempo com Marty McFly em seu DeLorean e adorei cada perseguição que o velho Arnoldão (ainda não metido com a política) fazia para fugir do perigoso T-1000 em "O Exterminador do Futuro 2".

Enfim, meus amigos, mesmo dando hoje muito valor a filmes vindo de toda parte do mundo (Índia, Espanha, China, Israel, França Alemanha...) e tendo consciência de que qualquer país, inclusive o Brasil, pode fazer filmes de muita qualidade, eu me tornei um cinéfilo por causa de Hollywood. Quando descobri que aquela cidade era mesmo uma "Fábrica de fazer sonhos", eu quis sonhar de verdade... e desde então, nunca mais parei!!!

Cel Cavalcante